PROJECT 35 en CEROINSPIRACIÓN / 5

ceroinspiración presenta:

PROJECT 35
un programa de Independent Curators International
Parte 1 de 4

Programa semana: 27 de mayo a 3 de junio

9. Robert Cauble
Alice in Wonderland, or Who Is Guy Debord?, 2003
Video monocanal con color y sonido
23 min., 20 seg.
Cortesía del artista
Seleccionado por Raimundas Malasauskas

Desde 1865, cuando la novela Alicia en el país de las maravillas de Lewis Carroll fue publicada por primera vez, ésta ha reaparecido en diversas ediciones, traducciones e interpretaciones en otros medios, muchas de ésta tomando una gran distancia del original. Cada Alicia tiene su propio país de las maravillas, éstos cambian de acuerdo al año de producción, el estilo de la adaptación y el idioma de la traducción; pero sobre todo y ante todo, dependen de Alicia misma. El mundo al que Robert Cauble envía a la Alicia de Disney resulta ser uno más allá de lo ella esperaba encontrar: una brutal pero entretenida introducción a la teoría de la sociedad del espectáculo de Guy Debord. Flores parlanchinas ahora interpretan una versión rap del manifiesto Situasionista; el gato Cheshire decodifica rastros del espacio con sus propias pisadas; subtítulos de karaoke intervienen con la historia, y el tour de Alicia en el país de las maravillas concluye con un espectacular video musical. Mientras está ahí, Alicia se da cuenta que es parte de eso, sin embargo tratar de escapar. Ella regresa más transformada que las otras Alicias, con pensamientos heréticos. Pero ¿a dónde regresa?. Talvez el mundo del que vino, esa infame sociedad del espectáculo de la que trataba de escapar. Cauble ha hecho una re-ingeniería del dibujo animado de Disney, con tal precisión y cariño que a pesar de ser parte de esa sociedad del espectáculo, yo sólo deseo ser esa Alicia. Y luego, llegó YouTube.

- Raimundas Malasauskas


ACERCA DEL ARTISTA

Robert Cauble (Oahu, Hawai) vive y trabaja en Chicago. Se graduó de The School of the Art Institute of Chicago con un B.F.A. el 2005. Sus obras han sido incluidas en varias exhibiciones colectivas, entre otras: Cine y Casi Cine (2004, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, España), London Film Festival (2004), e International Film Festival Rotterdam (2004, Paises Bajos), CAC TV (2005, Vilnius Contemporary Arts Center, Lituania), Video 2005 (2005, Art in General, Nueva York) Video Visions (2005, Institute of Contemporary Arts, Londres) y What Remains (2007, Busker Gallery, Chicago). Sus obras de video cros-disciplinar han sido incluidas en importantes festivales de cine. El ha curado además dos muestras: Relatives, Runaways, and Trees: Videos of Kinship (2004, Munki Haus, Chicago) y An Evening with Caveh Zahedi (2005, Chicago Filmmakers, Chicago).

ACERCA DEL CURADOR

 

Raimundas Malasauskas (Vilnius, Lituania, 1973) es un escritor y curador que vive y trabaja en Paris. Desde 1995 hasta 2006 fue curador de CAC Vilnius y CAC TV; el 2007 co-escribrio un libretto para una opera, Cellador, que fue presentada en Paris. En 2007-08 fue curador visitante del California College of Arts, San Francisco, y desde 2007 hasta 2009 fue además curador de Artists Space, Nueva York. Sus textos tocan temas de fenómenos contemporaneous, biografías y historias, apuntando hacia los mundos paralelos de la ciencia, los medios, el cine, la literatura y la cultura de masas.

PROJECT 35 en CEROINSPIRACIÓN / 4

ceroinspiración presenta:
 
PROJECT 35
un programa de Independent Curators International
Parte 1 de 4

Programa semana: 20 a 26 de Mayo

7.KOTA EZAWA
Lennon Sontag Beuys, 2004
Video monocanal con color y sonido
2 min, 10 seg.
Cortesía del artista y Haines Gallery, San Francisco
Seleccionado por Constance Lewallen

  

 
En Lennon Sontag Beuys, el artista Kota Ezawa, quien radica en San Francisco, ha transformado video clips de apariciones históricas de tres íconos culturales del siglo XX. La transformación se realiza a partir de la animación digital de estos eventos fundacionales y de eliminar todo ruido visual para develar su esencia, al mismo tiempo que los mantiene reconocibles. John Lennon, durante su acción de 1969 Bed.In for Peace con Yoko Ono mientras estaban de luna de miel en Amsterdam, insiste en que la no-violencia es el único camino hacia la paz; Susan Sontag, en una conferencia en Columbia University en Nueva York en 2001, discute el potencial que tienen las fotografías para convertirse en elementos de protesta; y el artista alemán Joseph Beuys, en el New School for Social Research durante su charla-tour de tres días “Plan de Energía para el Hombre Occidental” en 1974, explica su concepto del arte como una escultura social que devolvería el vigor a la cultura occidental y permitiría conseguir un cambio positivo en la sociedad. Cada uno de los tres creía que los artistas tienen una responsabilidad moral de ir más allá de la expresión personal, y de que el arte puede y debe ser una fuerza para el bien. En este video hay una pregunta implícita sobre si ese idealismo es aun pertinente hoy en día.

— Constance Lewallen


8.EDWIN SÁNCHEZ
Clases de cuchillo, 2006-07
Video monocanal con color y sonido
8 min, 16 seg.
Cortesía del artista
Seleccionado por José Roca

Edwin Sánchez trabaja con un sin número de manifestaciones de violencia en Colombia, en donde vive y trabaja. Sus videos y las acciones que presenta son generalmente perturbadores, pero cargados de humor e ironía. Muchas veces explora las ambigüedades y contradicciones de la moralidad, ética, legalidad y explotación en sus obras, como cuando encuentra a un mendigo lisiado que pide dinero en una vereda de una ciudad y lo cubre con una caja de cartón, o cuando se roba un metro cuadrado de adoquines de una de las principales calles de Bogotá.

En Clases de cuchillo, manual de un crimen en tres pequeños actos, un drogadicto y asaltante con quien Sánchez establece amistad en las calles de Bogotá, le explica en detalle cómo fabricar un cuchillo de emergencia y como usarlo en una pelea o un robo. Alentado por el artista a quien escuchamos, pero no vemos, el hombre dibuja los distintos tipos de cuchillos y explica sus cualidades, después hace un cuchillo de una hoja de sierra rota y de vasos de plástico usados, y finalmente explica como atacar y defenderse en una pelea, o como matar a alguien. Cada uno de los tres actos es fría y desapasionadamente construido en un medio artístico distinto: dibujo, escultura, performance. Las imágenes despiertan en el que mira sentimientos encontrados de atracción y repulsión, empatía por el hombre necesitado quien conmueve con su honestidad, y la necesidad de recordarnos constantemente la brutalidad de las acciones que está describiendo.    
  
— José Roca

 

ACERCA DE LOS ARTISTAS

Kota Ezawa (Colonia, Alemania, 1969) vive y trabaja en San Francisco. Se graduó en 1995 del San Francisco Art Institute con un B.F.A., y recibió su M.F.A. en 2003 de la Universidad de Stanford. Ha realizado una serie de exhibiciones individuales entre otras en el Wexner Center for the Arts, Columbus, Ohio (2009), Murray Guy, New York (2008), Hayward Gallery, Londres (2007), y Charles H. Scott Gallery, Emily Carr Institute, Canada (2007). Su obra ha sido presentada en varias muestras colectivas entre otras The Moving Image: Scan to Screen, Pixel to Projection (2009, Orange County Museum of Art, California), Superlight (2009, Museum of Contemporary Art, Cleveland, Ohio), Brought to Light: Photography and the Invisible, 1840–1900 (2008, San Francisco Museum of Modern Art, California), The Cinema Effect:  Illusion, Reality, and the Moving Image, Part II: Realisms (2008, The Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Smithsonian Institution, Washington, DC), y la 5th Seoul International Media Art Bienniale (2008, Seoul Museum of Art, Korea). Ha recibido los siguientes premios: Meisterschüler, Kunstakademie Düsseldorf (1995), Jack and Gertrude Murphy Fellowship (2002), Louis Comfort Tiffany Foundation Award (2003), y SECA Art Award (2006).

Edwin Sanchez (Bogotá, Colombia, 1976) vive y trabaja en Bogotá. Es graduado de la Universidad Jorge Tadeo Lozano, Bogotá, con un título en diseño industrial en 2002 y con un M.F.A en 2007. Ha tenido exposiciones individuales en El Bodegón, Bogotá (2007), Galería Santafé del Planetario Distrital, Bogotá (2010), y la Galería Valenzuela Kienner, Bogotá (2010). La obra de Sánchez se ha incluido en varias muestras colectivas, incluido el Festival de Performance de Cali (2006, Cali, Colombia), Encuentro de Medellín MDE 07 (2007, Medellín, Colombia), Despistando al Enemigo (2008, Laboratorio Interdisciplinario para las Artes, Bogotá), y el 13 Salón Regional de Artistas Zona Centro (2009, Casa Museo Rojas Pinilla, Bogotá). 

ACERCA DE LOS CURADORES

Constance Lewallen (New York, New York) vive y trabaja en San Francisco, California, donde es curadora adjunta de la Universidad de California Berkeley Art Museum y Pacific Film Archive. Como curadora principal en esa institución, desde 1998 hasta 2007, curó exposiciones nacionales e internacionales, incluida Joe Brainard (2001); Dream of the Audience: Theresa Hak Kyung Cha (2001); Everything Matters: Paul Kos, a Retrospective (2003); Ant Farm 1968–1978 (2004, co-curada con Steve Seid); y A Rose Has No Teeth: Bruce Nauman in the 1960s (2007). En 2009 organizó Allen Ruppersberg: You and Me or the Art of Give and Take en el Santa Monica Museum; y co-curó State of Mind: New California Art ca. 1970, con Karen Moss del Orange County Museum, que abrirá en 2011. Lewallen ha escrito varios ensayos y artículos, ha editado además el libro Exileé and Temps Morts: Selected Works by Theresa Hak Kyung Cha (2009).

José Roca (Barranquilla, Colombia, 1962) vive y trabaja en Bogotá, Colombia y en Filadelfia, donde actualmente es director artístico de Philagrafika 2010, un evento contemporáneo de impresos. Desde 1998 hasta 2008 manejó el programa de artes del Banco de la República en Bogotá, estableciéndolo como una de las instituciones culturales más respetadas del circuito Latinoamericano. Roca fue co-curador de la primera Trienal Poli/gráfica de San Juan, Puerto Rico (2004); la 27 Bienal de São Paulo en Brasil (2006); el Encuentro de Medellín MDE07 (2007); y Cart[ajena], una serie de intervenciones urbanas en Cartagena, Colombia (2007). Fue además jurado de la 52 Bienal de Venecia (2007).

PROJECT 35 en CEROINSPIRACIÓN / 3

ceroinspiración presenta:

 
PROJECT 35
un programa de Independent Curators International
Parte 1 de 4

Programa semana: 13 a 19 de Mayo

5.Wanda Raimundi-Ortiz

Tópico 1: Arte contemporáneo, 2006

Video monocanal con color y sonido

8 min, 50 seg.

Cortesía del artista

Seleccionado por Franklin Sirmans

El video Tópico 1: Arte contemporáneo de Wanda Raimundi-Ortiz es el primero de una trilogía de videos que presentan al personaje Chuleta, una joven latina urbana, inteligente y descarada. Con la mirada puesta en corrosivos videos y la intención de explicarse a sí misma más allá de las aulas en la escuela de arte, Raimundi-Ortiz realizó estos videos a partir del deseo de crear un espacio distinto para la experimentación del arte contemporáneo, un espacio más amable hacia aquellos que no tenían experiencias previas con el arte contemporáneo. Mezclando el lenguaje vernáculo de las culturas populares y juveniles con un aire melodramático, Chuleta habla irreverentemente del “cubo blanco” y sus imposiciones sobre la forma de mirar el arte en varias locaciones de la ciudad de Nueva York. También se refiere al postmodernismo y a las políticas identitarias, en un esfuerzo por “tratar de crear puentes entre el mundo del arte y nuestro mundo, de gente como tú y yo”. Para concluir, explica su interés hacia estas lecciones como una forma de “crear puentes y construir comunidades”. Usando la muy accesible estética del D.I.Y., empleado en gran parte de las prácticas en  video arte, el performance de Raimundi-Ortiz explora el mundo televisivo en un espacio entre el acceso público, la televisión por cable, y los programas confesionales tipo reality show.

— Franklin Sirmans

6.Tuấn Andrew Nguyễn y Phù Nam Thúc Hà

Uh . . . , 2007

Video monocanal con color y sonido

7 min

Cortesía del artista

Seleccionado por Zoe Butt

Radicados en la ciudad de Ho Chi Minh, Tuan Andrew Nguyen y Phu Nam Thuc Ha son dos de los artistas más exitosos de Vietnam. La mayoría de su arte remite a aspectos críticos que conciernen a la condición de la vida contemporánea mediada por varios canales culturales internacionales, cuestionando los métodos a través de los cuales las ideas sobre la cultura son producidas y diseminadas.

Uh… captura el cambiante paisaje urbano de Ho Chi Minh en Vietnam, al enfocarse en graffitis hechos por culturas juveniles emergentes que intentan navegar en el transcurrir de la vida urbana de ese lugar, creando nuevas estrategias para la expresión individual. Vemos peatones pasar junto a graffitis dibujados en varias paredes públicas y motociclistas que cruzan sin prestar atención. Lentamente nos damos cuenta que estamos mirando un paisaje imaginado, que existe dentro de la cabeza de los artistas. En Vietnam, la libertad de expresión artística es altamente controlada, con el uso del espacio público bajo el rigor de la mirada del gobierno. Este trabajo explora no sólo el giro cultural y físico del paisaje de Vietnam, sino que además cuestiona la realidad del cambio. ¿Son los procesos de cambio auténticos o son solamente visiones pasajeras de un futuro potencial?

— Zoe Butt

ACERCA DE LOS ARTISTAS

Wanda Raimundi-Ortiz (New York, 1973) vive y trabaja en New York. Se gradúa en 1998 del Fashion Institute of Technology, New York, con un título de A.A.S. (asociado de ciencias aplicadas), y en 2008 de la Universidad de Rutgers, New Jersey, con un M.F.A. Raimundi-Ortiz ha tenido exposiciones individuales en Longwood Gallery, Bronx, New York (2004), el Centro para Estudios Puerto Riqueños, Hunter College, New York (2006), y Museo de la Ciudad de Jersey (2009), New Jersey. Ha participado además en numerosas exposiciones colectivas, incluidas Ring y AIM 25 (2002 y 2005), Bronx Museum of Art, El Museo’s Bienal (2005), El Museo del Barrio, Bronx, New York; Wild Girls (2006), Exit Art, New York; Tropicalisms (2006), Museo de la Ciuda de Jersey, y Salad Days (2008), Artists Space, New York. Raimundi-Ortiz recibió el 2001 el premio Bronx Recognizes Its Own (BRIO) y el 2002 fue becaria de Skowhegan School of Painting and Sculpture, Skowhegan, Maine.

Phu Nam Thuc Ha (Ho Chi Minh, Vietnam, 1974) vive y trabaja en Ho Chi Minh. Estudio escultura en bronce para Budas y modelado en bronce en Chiang Mai, Tailandia en 1995, y pintura y restauración en la Ecole des Beaux-Arts Hanoi, graduándose en 1997. Thuc Ha ha dirigido la fotografía de varios documentales, programas de television, cortos, videos musicales, e instalaciones de vidoes. Su trabajo ha sido presentado en numerosas exposiciones colectivas, incluida la Trienal Contemporánea de Arte de Asia-Pacífico (2006, Queensland Art Gallery, Brisbane, Australia), The Farmers & Helicopters (2007, ZKM, Karlsruhe, Alemania), Father & Son, Rite of Passage (2007, Art Chicago), Bienal de Singapur (2008), All That Is Solid Melts into Air (2009, City Vision Festival, Bélgica), y Biennale Cuvee (2009, Linz, Austria). En 2006 fundó el grupo Propeller, una companía de desarrollo de contenido creativo y producción; es además fundador de San Art, un espacio no comercial manejado por artistas para exposiciones en Ho Chi Minh.

Tuấn Andrew Nguyễn (Ho Chi Minh, Vietnam, 1976) vive y trabaja en Ho Chi Minh. Se graduó en 1999 de la University of California, Irvine, con un B.A., y en 2004 del California Institute of the Arts en Los Angeles con un M.F.A. Tuấn ha terminado una largometraje y varios documentales, algunos de los cuales han sido incluidos en festivales, entre otros el Chicago Asian American Film Festival (2000 y 2002), ’Bangkok Democrazy: 4th Bangkok Experimental Film Festival' (2005),  Singapore International Film Festival (2005), y Vietnamese International Film Festival (2009). Sus trabajos de video han sido incluidos en exposiciones colectivas, incluidas la Asia-Pacific Triennial of Contemporary Art (2006, Queensland Art Gallery, Brisbane, Australia), y Strategies from Within (2008, Ke Centre for Contemporary Arts, Shanghai, China). Actualmente es miembro del grupo Propeller.

ACERCA DE LOS CURADORES

Franklin Sirmans (Queens, New York, 1969) vive y trabaja en Los Angeles, en donde es curador en jefe de arte contemporáneo de Los Angeles County Museum of Art (LACMA). Desde 2006 hasta 2009, fue curador de arte moderno y contemporáneo de la Colección Menil en Houston, en donde organizó exposiciones que incluyeron NeoHooDoo: Art for a Forgotten Faith (que viajó a P.S.1 en New York y al Miami Art Museum); antes de eso fue co-curador de Basquiat (2005–06: Brooklyn Museum, Los Angeles Museum of Contemporary Art, y Museum of Fine Arts, Houston). Recientemente co-curó Steve Wolfe: On Paper (2009, Menil Collection y Whitney Museum of American Art). Sirmans recibió el 2007 el premio David C. Driskell entregado por el High Museum of Art, Atlanta; y en 2009 recibió uno de los primeros Premios Gold Rush entregados por el Rush Philanthropic Arts Foundation. Sirmans ha escrito ensayos para varios catálogos de exposiciones, artículos y reseñas en publicaciones como el New York Times, Time Out New York, Essence, y Grand Street.

Zoe Butt (Newcastle, Australia, 1976) vive y trabaja en Ho Chi Minh, Vietnam, en donde es la curadora y directora de programas y desarrollo de Sàn Art, un espacio de exposición independiente y cuarto de lectura manejados por artistas. Desde 2001 al 2007 fue curadora asistente de arte Asiático en el Queensland Art Gallery, Brisbane, Australia, en donde colaboró en el desarrollo de la Trienal de Arte Contemporáneo de Asia-Pacífico, y en la adquisición de obras para la colección de arte contemporáneo y otros programas asociados a la galería. Desde 2007 hasta 2009 fue directora de programas internacionales para el Long March Project, una compleja, plataforma múltiple de artistas internacionales y un proyecto en marcha basado en Beijing, China. Por más de diez años ha venido investigando arte Asiático, curando y co-curando exposiciones y contribuyendo a varias publicaciones internacionales de arte que han reflejado el dinamismo artístico de la región.

PROJECT 35 en CEROINSPIRACIÓN / 2

ceroinspiración presenta:
 
PROJECT 35
un programa de Independent Curators International

Parte 1 de 4



Programa semana: 6 a 12 de Mayo

4.DAN HALTER

Sin título (Zimbabwean Queen of Rave), 2005

Video mono-canal con color y sonido, 3 min., 33 seg.

Cortesía del artista

Seleccionado por Kathryn Smith

Sin título (Zimbabwean Queen Of Rave), fue realizada por Halter apenas graduado de la escuela de artes. Esta obra marca el tono para una sucesión de obras inteligentes y descomplicadas que el artista ha venido haciendo desde entonces. Manteniéndose alerta frente a los muchas veces paradójicos estados post-colonialistas de esperanza y abyección. Su propia subjetividad es particularmente compleja, como un ciudadano de Zimbabwe, de origen Suizo, que vive en Sud-Africa como emigrante, y que ve el colapso económico y político de Zimbabwe desde el otro lado de la frontera. ¿Cómo puede insertar su experiencia y su estado de ser testigo, si está destinado a siempre ser extranjero y nunca un nativo? ¿Cómo volver estos hechos evidentes en su práctica? ¿Cómo evitarlos?.

Como toda buena propaganda, este video funciona tanto a nivel emocional como retórico. Rozalla Miller, aka la Reina Rave de Zimbabwe fue la primera cantante de ese país en tener un éxito pop a nivel mundial, “Everybody’s Free (to feel good)”, tres años antes que la democracia llegara a Sud Africa. (Hay además un aspecto autobiográfico: Don Halter fue al colegio con el hermano de Rozalla, John). El ritmo conducente y la seguridad de la cantante de que “juntos vamos a salir de esto” son positivos de una forma insistente, pero aparecen fuera de lugar junto a los visuales que lo acompañan; imágenes de jóvenes blancos, protagonistas de la cultura rave de los 90’s, que bailan en espacios abiertos se presentan intercaladas con imágenes de protestas masivas y levantamientos ciudadanos. La yuxtaposición crea inmediato malestar, se siente peligrosa. ¿Está bien jugar juegos de sampling con realidades culturales y políticas tan diferentes? ¿Estaban los jóvenes blancos de Sud Africa gozándola mientras Roma ardía, por así decirlo? Sus cuerpos respirando ruidosamente golpeaban el piso, ellos levantaban sus brazos con una resolución similar a la de los que protestaban. Desnudados de sus disparidades ideológicas, ambos escenarios demuestran el profundo deseo de los participantes por una realidad alternativa. Ambos se alinean con la psicología de las multitudes para movilizar sensibilidades individuales hacia una conciencia de masa. Un imperativo político se ve camuflado en lo que de otra forma sería una inocente canción pop que a lo mucho, en la instancia contemporánea, aparecería como una llamada a la acción de mayor alcance, que el incentivo provocado por el oscuro estado del mundo de la política.

— Kathryn Smith

4. YZHOU XIAOHU
Maquina utópica, 2002
Video mono-canal con color y sonido, 8 min.
Cortesía del artista
Seleccionado por Lu Jie

Zhou Xiaohu es mejor conocido por instalaciones escultóricas de modelado en arcilla, las mismas que se presentan en meticulosos videos dramáticos realizados por el artista. Producida en 2002, Máquina utópica usa la técnica de modelado en arcilla para deconstruir e interpretar la formula de transmisión de noticias utilizada en los canales de televisión pública en China. Estas transmisiones públicas se programan para inculcar y mantener una imagen utópica nacional. Las animaciones de Zhou reinterpretan escenas de importantes eventos nacionales e internacionales desde 1970 al presente (incluidas la visita en 1972 del presidente Nixon a China, el desarrollo del distrito Pudong en Shanghai en los años 90’s, y el ataque del World Trade Center en 2001) junto con eventos culturales reales y ficticios de la historia socialista de China.

— Lu Jie

ACERCA DE LOS ARTISTAS

Dan Halter (Harare, Zimbabwe, 1977) vive y trabaja en Cape Town, Sud Africa. Se graduó con un B. A. de Michaelis School of Fine Art, University of Cape Town en 2001. Halter ha tenido dos exposiciones individuales, en João Ferreira Gallery, Cape Town (2006) y Derbylius Gallery, Milan (2008). Su trabajo ha sido presentado en varias exposiciones colectivas, incluidas Second to None (2006, South African National Gallery, Cape Town), Next Wave Festival (2006, Melbourne, Australia), Zeitgenössiche Fotokunst aus Südafrika (2007, Neuer Berliner Kunstverein, Berlin), VideoBrasil (2007, São Paulo), y Bienal de la Habana (2009). El 2008 estuvo en la selección MTN New Contemporaries y realizó dos residencias internacionales, una en Zurich y otra en Río de Janeiro.

Zhou Xiaohu (Changzhou, Provincia de Jiangsu, China, 1960) vive y trabaja en Shanghai. Estudió escultura en Suzhou Art Institute 1980–83, y se graduó de la Sichuan Academy of Fine Arts en 1989 con un B.F.A. en pintura. Zhou ha tenido cuatro exposiciones individuales en Sichuan Academy of Fine Arts, Chongqing, China (1989), Moscow Central House of Artist, Rusia (2002), Ethan Cohen Fine Arts, New York (2005), y Walsh Gallery, Chicago (2007). Su trabajo también ha sido presentado en numerosas exposiciones colectivas, incluidas Shanghai Biennale (2000), New Zone-Chinese Art (2003, Zacheta National Gallery of Art, Varsovia, Polonia), China Now (2004, Museum of Modern Art, New York), Between Past and Future (2004, International Center of Photography, New York), Express (2005, Shanghai Duolun Museum of Modern Art, China), Shanghai Surprise (2005, Kulturreferentin der LHS Munich), and The Real Thing: Contemporary Art from China (2007, Tate Liverpool).

ACERCA DE LOS CURADORES

Kathryn Smith (Durban, South Africa, 1975) vive en Cape Town, Sud Africa. Ella es profesora y directora de prácticas de estudio y artes en el Departamento de Artes Visuales, University of Stellenbosch, este de Cape Town. Además de enseñar, ella tiene su propia práctica artística, ograniza exposiciones, y realiza trabajo de investigación. Los textos de Smith se han publicado en catálogos y revistas en Sud Africa e internacionalmente. Ella ha trabajado como corresponsal curatorial para la 2005 Turin Triennale y la 2008 Biennale of Sydney, participando en discusiones y eventos públicos para esas exhibiciones y contribuyendo con ensayos para esos catálogos. Sus intereses de investigación incluyen criminografía, medios basados en la cámara, estrategias artísticas psico-geográfico, y prácticas de avant-garde histórico en el arte Sud Africano. Recientemente estableció un espacio de proyectos en sue studio, para que ella y sus invitados presenten proyectos que se relacionan y se dirigen a conversaciones críticas de la práctica artística.

Lu Jie (b. 1964, Fujian, China) trabaja en Beijing, desde el 2002 ha sido curador en jefe de Long March Project, un complejo, multi-plataforma, organismo internacional de artes y  proyecto de arte en proceso, concebido originalmente como una serie de exhibiciones, performances, simposio y discusión en el espacio público en China alo largo de la histórica ruta de la Marcha Larga de Mao Zedong. Graduado en 1988 with en la Academia China de Artes en Hangzhou, obtuvo su M.A. en curadoría en 1999 en Goldsmiths College, University of London. Lu es asesor permanente del Asia Art Archive en Hong Kong; y de la  Editorial Board Yishu – Journal of Contemporary Chinese Art (Vancouver). Ha curado numerosos proyectos y exhibiciones de arte contemporáneo, entre los que se cuenta Long March projects, el cual se ha presentado en varios espacios internacionales: A Walking Visual Display (2002), The Great Survey of Paper-cutting in Yanchuan County (2004), Yan’an Project (2006), No Chinatown (2007), and Ho Chi Minh Trail (Duong Truong Son) (2008-ongoing). Lu has ha ofrecido lecturas y charlas en numerosas instituciones educativas y museos en Asia, Europa y Norte América.

PROJECT 35 en CEROINSPIRACIÓN / 1

ceroinspiración presenta:
  
PROJECT 35

un programa de:

Independent Curators International

Parte 1 de 4

ARTISTAS

GUY BEN-ER

YUKIHIRO TAGUCHI

DAN HALTER

ZHOU XIAOHU

WANDA RAIMUNDI ORTIZ

TUÁN ANDREW NGUYÉN Y PHU NAM THÚC HA

KOTA EZAWA

EDWIN SÁNCHEZ

ROBERT CAUBLE

CURADORES

MAI ABU ELDAHAB

MAMI KATAOKA

KATHRYN SMITH

LU JIE

FRNAKLIN SIRMANS

ZOE BUTT

CONSTANCE LEWALLEN

JOSÉ ROCA

RAIMUNDAS MALASAUSKAS

INTRODUCCIÓN

Project 35 es un programa de videos monocanal seleccionados por 35 curadores internacionales, cada uno de los cuales escogió el trabajo de artistas que consideraban audiencias alrededor del mundo deberían experimentar hoy en día. El producto de dicha selección se presenta en cuatro partes y puede ser visto de forma simultánea en un número creciente de lugares.

Al desarrollar Project 35, ICI (Independent Curators International) reconsidera sus 35 años de historia y su interés en el video como un medio que no sólo brinda a los artistas la posibilidad de experimentar, sino que además puede ser diseminado amplia y fácilmente. El proyecto se apoya en una extensa red de curadores para trazar la complejidad de conexiones regionales y globales entre sus participantes, a la vez que busca demostrar hasta que punto el video es uno de los medios más importantes y de mayor alcance del arte contemporáneo. En esta primera presentación, por ejemplo, una curadora de Egipto radicada en Bruselas ha seleccionado la obra de un artista que vive en Israel. Al mismo tiempo, un curador colombiano que vive entre Filadelfia y Bogotá ha seleccionado el proyecto de un artista colombiano que ha tenido pocas oportunidades de presentar su trabajo fuera de su país.

El deseo colectivo por comunicarse, por intercambiar puntos de vista, se evidencia en Project 35 a partir de los temas escogidos por cada participante. Estos van desde reinterpretaciones de propuestas filosóficas hasta levantamientos y protestas en Sudáfrica, de la emisión vía noticias propagandísticas en China al surgimiento de culturas juveniles emergentes en la actual ciudad de Ho Chi Minh. Estos trabajos también revelan la diversidad de acercamientos que los artistas mantienen hacia el medio, usando varias técnicas de animación, a la par que toman prestado del lenguaje del cine, performance e incluso de YouTube, para producir trabajos que tejen conexiones entre el documental y la ficción.

El primer capítulo de Project 35 empieza con la obra Berkeley’s Island (1999), de Guy Ben-Ner, que hace referencia al famoso principio del filósofo George Berkeley “ser es ser percibido”. Es el deseo de los curadores y de ICI, que estos videos sean “percibidos” por la mayor cantidad de personas y que las obras de los artistas tengan el potencial de convertirse en catalizadoras de conversaciones e intercambios en el mundo.

ceroinspiración presentará dos videos por semana a partir del 29 de abril.
Los videos rotarán cada jueves. 

¡Visítanos cada semana!

Programa semana: Abril 29 - Mayo 3

1. GUY BEN-ER

BERKELEY’S ISLAND

1999

Video mono canal con color y sonido

15 min.

Cortesía del artista

Seleccionado por : MAI ABU ELDAHAB

En la mayoría de la obra de Guy Ben-Ner la distinción entre autobiografía y ficción se difumina, cuando los ensayos de la vida doméstica son repetidos para la cámara. Sus videos son astutos y puntuales, tanto en la yuxtaposición de situaciones aparentemente moralistas como en el uso de elementos simples de la cinematografía–escenarios, soundtracks dramáticos, voz en off, actores amateurs y juegos mínimos de cámara–. En sus trabajos abundan las referencias a piezas tempranas del arte conceptual performático, particularmente aquellas de Dennis Oppenheim y sus contemporáneos, para quienes el uso de su cuerpo era un aspecto central en su trabajo.

Berkeley’s Island es una obra temprana de Ben-Ner. En ella trata como tema central el ego en el aislamiento (del artista), al recrear la historia de Robinson Crusoe en una “isla” de arena en miniatura en su cocina, mostrándose a sí mismo perdido en medio del ambiente familiar. El título del video alude a la aserción del filósofo George Berkeley “ser es ser percibido”. El protagonista realiza varias acciones tabú en la isla, como masturbarse o robar, ya que en su soledad estos actos no existen. El trabajo es una reflexión de la posición del artista en la sociedad y de la influencia del cine en la cultura visual, y tal vez una sátira política sobre la posición aislada de su país natal en el contexto del Medio Oriente.

Mai Abu ElDahab

2. YUKIHIRO TAGUCHI

Selections from Moment, 2007–08

Single-channel video excerpts:

"Moment-performative installation," 2007, color sin sonido, 2 mins., 25 secs.

"Moment-performative spazieren," 2008, color sin sonido, 4 mins., 30 secs.

"Moment-making," 2007, color sin sonido, 3 mins., 23 secs.

(TRT: 10 mins., 18 secs.)

Cortesía del artista

Seleccionado por : Mami Kataoka

Yukihiro Taguchi se refiere a su práctica como “instalación performativa”, en ésta el crea una instalación al redefinir un espacio que ya existe, a partir de cambios que se van incrementando vía intervenciones mínimas. Taguchi graba estos cambios consecutivamente usando imágenes cuadro a cuadro, alterando cualquier sentido convencional del tiempo.

En su serie Moment, duelas en el estudio del artista de pronto cobran vida y viajan a través de la ciudad de Berlín, representando muchas posibilidades flexibles y diversas, ausentes de su uso original. Lo que la audiencia no ve aquí, y les es dejado a su imaginación, es el doloroso trabajo físico del artista, de mover las duelas en cada secuencia. A la vez que emplea una idea sencilla y un método tradicional de producir imágenes en movimiento, esta serie de trabajos expande el potencial de los videos monocanal y de la vida cotidiana de forma ligera y divertida.  
Mami Kataoka

LOS ARTISTAS

Guy Ben-Ner  (Ramat Gan, Israel, 1969) vive y trabaja en Tel Aviv, Israel. Ben-Ner recibió su titulo de licenciatura de Hamidrasha Art Teachers School en Ramat Hasharon, Israel, en 1997 y su M.F.A. de Columbia University, New York, en 2003. Su exhibiciones individuales incluyen muestras en Postmasters Gallery, New York (2003, 2005, 2006 y 2007) y el Center of Contemporary Photography, Australia (2006). Su trabajo a sido también presentado en varias exposiciones colectivas, entre otras: Moby Dick (2003, Postmasters Gallery, New York), Video Lounge (2004, Vox Populi, Philadelphia), Venice Biennale (2005), Greater New York (2005, P.S.1, New York), Skulptur Projekte Münster (2007), Shanghai Biennale (2008) y Liverpool Biennial (2008). El 2007 recibió la residencia DAAD en Berlin y actualmente es un professor invitado en Bezalel Academy of Art and Design, Jerusalem.

Yukihiro Taguchi (Osaka, Japón, 1980) vive y trabaja en Berlin.  Taguchi tiene una licenciatura en artes, con especialidad en pintura de la Universidad Nacional de Artes y Música de Tokyo  (2004). Sus exposiciones individuales incluyen Het Plafond, Países Bajos (2006), Galerie Air Garten, Berlin (2007), e Hiroshima City Museum of Contemporary Art, Japón (2008). Taguchi ha participado en varias exposiciones colectivas, entre otras Sarajevo International Culture Exchange (2004), Pictura (2006, Dordrecht, Paises Bajos), Feld für Kunst (2006, Hamburgo), and shows at Gallery K:ITA, Berlin (2007), Galerie der Künste, Berlin (2008), and Temporary Art Centre, Eindhoven (2008). Ha recibido varios premios artísticos entre otros el premio de Hunt for This Century's Leonardo da Vinci! International Art Triennale (2007), Asia Digital Art Award, premio de excelencia (2008), y 12th Japan Media Arts Festival, premio de exelencia (2008).

LAS CURADORAS:

Mai Abu ElDahab (Cairo, Egipto) vive y trabaja en Antwerp, Belgica, en donde dirige el espacio artístico no commercial Objectif Exhibitions desde el otoño de 2007. En éste, ella ha organizado exhibiciones individuales de Guy Ben-Ner, Mariana Castillo Deball, Sancho Silva, Michael Smith, Chris Evans, Kirsten Pieroth, y Michael Stevenson, entre otros. Ella es profesora invitada en el Higher Institute of Fine Arts (HISK) en Ghent, miembro del equipo editorial de A Prior Magazine (Ghent), y participante del Reading Group de ICA (London). En 2006, fue curadora de exhibiciones y publicaciones de Philip en Project Arts Center (Dublin); co-editora de DOTDOTDOT 13; editora de CAC Interviu 7-8; co-editora con Sven Augustijnen de A Prior 14; profesora invitada en School of Visual Arts (Nueva York); y parte del equipo curatorial de Manifesta 6: European Biennale of Contemporary Art en Nicosia, la misma que fue cancelada antes de su inauguración prevista para Septiembre 2006. En 2009, co-curó A Fantasy for Allan Kaprow con Philippe Pirotte en el Contemporary Image Collective, Cairo, y actualmente trabaja con el Piet Zwart Institute en Rotterdam en su exhibición de graduación para el 2010.

Mami Kataoka (Nagoya, Japón, 1965) vive y trabaja en Tokyo y Londres. Actualmente es curadora del Mori Art Museum en Tokyo y curadora internacional asociada de la Hayward Gallery en Londres. Las exposiciones que ha realizado en el Mori incluyen Roppongi Crossing: New Visions in Contemporary Japanese Art 2004 (2004), Ozawa Tsuyoshi (2004), All about Laughter (2007), y Ai Weiwei: According to What? (2009). Para la Hayward ha curado Laughing in a Foreign Language (2008) y Ujino and the Rotators (2009), y co-curado Walking in My Mind (2009). Anteriormente Kataoka trabajó como curadora en jefe de Tokyo Opera City Art Gallery desde 1998 hasta 2002, en donde curó Releasing Senses (1999), Tatsuo Miyajima (2000), y Rirkrit Tiravanija (2002), entre otras muestras. El 2007 ella co-curó Beautiful New World: Contemporary Visual Culture from Japan en Beijing y Guangzhou; y el 2009 organizó Discovery: discovering contemporary at ShContemporary en Shanghai y Platform Seoul 2009.