ceroinspiración: arte + residencia

18 DICIEMBRE 2011 - un minuto de acción – reflexión contra el silencio y por los derechos

2011-12-17T06:02:00.000-08:00

un minuto de acción – reflexión

contra el silencio y por los derechos

Domingo 18 de diciembre de 2011

Desde las 18H30

ceroinspiración

arte + residencias

Calle Lugo N24-232 y Guipúzcoa

En el marco del 18 de diciembre de 2011 Día Global de Acción contra el racismo y por los Derechos de los Migrantes refugiados y desplazados, Ceroinspiración – Migralab organiza una acción simbólica y un momento de reflexión en torno al tema de la seguridad humana de las personas migrantes.

Invitamos a activistas, artistas, inmigrantes, familiares de inmigrantes y todos los que quieran unirse y participar, a venir y encender una vela en memoria de quienes buscando una vida mejor o escapando de sus propias tierras, han perdido la vida en desiertos, ríos, mares y océanos.

El Ecuador, país de emigración e inmigración, también está directamente involucrado en el tema de refugio y desplazamiento, y en vastas zonas de su frontera norte, miles de personas arriesgan y pierde sus vidas tratando de encontrar en nuestro territorio un lugar de paz y de acogida. No podemos seguir siendo indiferentes a esta problemática, un llamado de atención a la sociedad, a la gente, a las autoridades, hagámoslo juntos el domingo 18 de diciembre, en Ceroinspiración.

Será proyectado el video de la Global Migrants Action, realizado por Maria Rosa Jijon, en colaboración con activistas y asociaciones de varios países, que forman parte de la red del 18 de diciembre. Por qué el 18 de diciembre? Durante el Foro Mundial de las Migraciones realizado en Quito (Ecuador) en octubre de 2010, y durante el Foro Mundial en Dakar (Senegal) en febrero de 2011 se discutió y decidió la realización de una Jornada de acción global por los derechos de los migrantes, refugiad@s y desplazad@s el 18 de diciembre, fecha en la que las Naciones Unidas adoptaron la Convención por los Derechos de los Trabajadores Migratorios y sus Familiares.

Esta inciativa ha sido acogida y resignificada por cientos de organizaciones alrededor del mundo que se preocupan por las condiciones de la migración y por las vidas humanas en corredores de tránsito.

http://globalmigrantsaction.org/

más información o entrevistas:

María Rosa Jijón 093310882

ARCHIVO MÓVIL LA FLORESTA

2011-06-22T21:48:00.000-07:00

¡¡¡Ven, descubre y únete a todos los vecinos
que están abriendo sus memorias!!!

Este sábado 25 de junio trae tu álbum familiar y fotografías de La Floresta, nosotros las digitalizaremos sin costo y formarán parte del Archivo del barrio.

ARCHIVO MÓVIL estará abierto todo el día en CEROINSPIRACIÓN como parte de la toma de la calle Lugo (entre Vizcaya y Guipozcoa) Fiesta de la Música 2011. A las 18h00 se brindará un canela y se proyectarán imágenes de los registros el proyecto.

ARCHIVO MÓVIL LA FLORESTA consiste en realizar una investigación sobre la memoria del barrio de la Floresta a través del relato hablado y de las imágenes visuales proporcionadas por sus habitantes, utilizando instrumentos provenientes de la antropología urbana, los estudios visuales y del activismo comunitario, que permitan crear y editar un archivo de imágenes, y procesar relatos y testimonios que sean trabajados para ser publicados en un libro impreso y que sean compartidos a través de un archivo móvil con los mismos habitantes. Esos relatos abarcan formas muy distintas de la memoria a través de historias de vida, historias familiares, comités y asambleas barriales, recetas de cocina, juegos y actividades recreativas, organizaciones deportivas y ligas barriales, procesos de urbanización y momentos de la configuración arquitectónica del barrio, etc. Parte de la metodología de investigación-acción incluye la organización de actividades culturales y recreativas de reunión de vecinos del barrio (descritas en los componentes) durante las cuales se amplía el horizonte de participación y de sentido compartido del proyecto.

Este proyecto parte de la idea de que la ciudad puede ser pensada y entendida desde las relaciones entre imágenes, memoria y procesos culturales. Pensar la ciudad significa en este caso hacerlo desde la especificidad de las representaciones del barrio de la Floresta como barrio representativo de la reproducción de un tejido de solidaridades y acuerdos y de organizatividad ciudadana.

ARCHIVO MÓVIL LA FLORESTA es parte de EL LEVANTAMIENTO DE LA FLORESTA proyecto a mediano plazo concebido por CEROINSPIRACIÓN en colaboración con Analú Garcés - LA CAJONERA y que tuvo su primer momento en junio 2010.

La presente versión de ARCHIVO MÓVIL LA FLORESTA arrancó en 2011 y está a cargo de los artistas Edison “Chuky” Vaca y Adrián Balseca, tiene como objetivo compartir y difundir, los resultados de la investigación, a los moradores del barrio y a otros barrios vecinos en la ciudad de Quito. El diseño de éste comprenderá la elaboración de varios contenedores, en donde se encontraran piezas únicas como fotografías, cintas de audio, video, y otras piezas reproducidas en fotocopias y volantes que se pueden tomar gratuitamente, recetas de cocina, fragmentos de relatos con imágenes, inventario de sitios de interés y contactos de organizaciones, entre otros. Todos ellos estarán disponibles para ser compartidos y reconocidos por los moradores del barrio.

ARCHIVO MÓVIL LA FLORESTA cuenta con el apoyo de la Embajada de España en el Ecuador y HANGAR (Barcelona).

CEROINSPIRACIÓN CASA TOMADA

2011-01-02T19:12:00.000-08:00

-¿Tuviste tiempo de traer alguna cosa? -le pregunté inútilmente.
-No, nada.

Casa tomada, Julio Cortázar.

Versión # 1
Participantes “invasores”:
Eduardo Carrera e Ilich Castillo
Proyecto de Estefanía Peñafiel Loaiza y Santiago Reyes
para ceroinspiración.

PROTOCOLO :

- Los invasores tomarán el espacio de ceroisnpiración a partir del día viernes 7 de enero 2011 a las 8h y serán hospedados en el mismo durante la toma.
-Para su intervención, los invasores podrán utilizar única y exclusivamente los objetos, materiales y elementos que se encuentren en los salones, dormitorios, cocina, jardines de la casa y en el entorno inmediato de su barrio, La Floresta. Para este efecto recibirán un inventario minucioso y detallado de todos los artículos existentes en el local.
-Todas las obras realizadas durante la invasión (instalaciones, videos, fotografías, esculturas, performances, pinturas, etc.); serán producidas in situ y durante el periodo de ocupación de la casa.
- Al día siguiente, sábado 8 de enero Casa Tomada será casa abierta. Desde las 19h00 a las 23h00 el público será invitado al evento y podrá apreciar la intervención de los invasores.

INTENCION :

El proyecto Casa Tomada ha sido concebido como un espacio de experimentación y de reflexión artística. La propuesta aspira a motivar un cuestionamiento ante procesos establecidos del arte, tales como la exposición, el estatuto de autor y de obra, la economía de medios, la contextualización de la producción artística, el encuentro y la colaboración entre artistas, curadores y otros participantes. Casa Tomada se presenta sobretodo como un espacio de acción y un desafío, en el cual la principal regla de juego impuesta a los "invasores" es la creación, la transformación, y la apertura a experiencias futuras.

SOBRE LOS ARTISTAS:

Eduardo Carrera R. nació en Quito 1987 y reside en Quito. Realizó sus estudios en La escuela de Artes Visuales de la PUCE (Pontificia Universidad Católica). Su trabajo ha sido parte de muestras colectivas, individuales y difundido mediante web por galerías virtuales como La Selecta - cooperativa cultural. A sido parte de work-shops y residencias como "Solo con Natura" (Nov. 2009). Creador y productor del Salón de lo (in)cómodo, Salón Universitario de arte contemporáneo presentado durante la X Bienal de Cuenca logrando visibilizar procesos estudiantiles de artes plásticas y visuales (Octubre 2009). Actualmente junto con otros artistas dirige el proyecto de NO LUGAR, centro de arte independiente instalado en la parroquia de Guápulo en Quito. Y colabora en talleres de arte acción con la Carrera de Artes Visuales (CAV - PUCE).
http://actosdiferenciados.blogspot.com/

Ilich Castillo nació en Guayaquil en 1978 y reside en Guayaquil. Estudió entre le 2004 y 2010 en el ITAE (Instituto Tecnológico Superior de Artes del Ecuador) y UCG (Universidad Católica de Guayaquil). Ha participado en varias exposiciones colectivas e individuales entre las principales están: 2010: Fuera de Campo, Casa Juan X. Marcos, Guayaquil; Pasado Imperfecto, Telefónica Lima, Perú; Lugar a dudas, Cali, Colombia. 2009: Playlist, Galería Proceso, Cuenca. 2008: No es increíble lo que puede tener adentro un lápiz?, DPM; Guayaquil. 2007: Revisitando el plain air, Museo Municipal Guayaquil; Lo que las imágenes quieren, Fundación ICO Madrid, España. Premios: Segundo Premio, Salón de Arte No Visual, D.A.S. Guayaquil, 2008; Primer Premio, Salón de Julio Guayaquil, 2005; con el Colectivo Lalimpia, Premio Paris y 8va. Bienal de Cuenca, 2004.
http://ilichcastillo.wordpress.com/2010/10/

Estefanía Peñafiel Loaiza nació en Quito en 1978 y reside en Paris. Inició sus estudios de Artes en la Universidad Católica de Quito y obtuvo su diploma con las felicitaciones del jurado en la Escuela Nacional de Bellas Artes de París en el 2006. Ha participado en varios programas de Post-diploma en Francia y en talleres, residencias y exposiciones en distintos países, entre los cuales : la V Bienal de Gyumri (Armenia), Rendez-vous à Shangai (China), Void Has No Exit, Hiroshima (Japón), à perte de vue, Grenoble (Francia), Usages du document, Paris (Francia), Là où je suis n’existe pas, Le Printemps de Septembre, Tolosa (Francia). Reside y trabaja en París.

Santiago Reyes nació en Quito en 1971 y reside en Paris. Inició sus estudios en las escuelas de bellas artes de Cuenca y Quito, obtuvo su diploma con mención en la Escuela Nacional Superior de Artes Paris-Cergy. Entre sus mas recientes exposiciones personales han sido: Une forme pour toute action, Le Printemps de Septembre, Tolosa (Francia), La Planck, Galerie Air de Paris (Francia), Ojos quiero despertarme en un mundo agradable, Galería DPM, Guayaquil, Dialogue, Séte (Francia). Y varias exhibiciones grupales, entre las que se destacan : Frasq, Paris, IX Bienal de Cuenca, Cuenca, Anatopias, Albi (Francia), La Force de l’art, Paris, Ficciones Documentales, Barcelona (España), Nuit Blanche, Paris.

SUBASTA 2010 + FIESTA EN CEROINSPIRACIÓN

2010-12-02T21:42:00.000-08:00

ceroinspiración
presenta:
segunda subasta + fiesta
viernes 10 de diciembre a partir de las 19h30.

La mejor oportunidad de adquirir
arte contemporáneo internacional
y aportar a nuestras actividades del año 2011.

Con fotografía y obra gráfica de:

Adrián Balseca, Virginia Cordero,
Guga Ferraz, Ana Fernández

María Rosa Jijón, Manuel Kingman, Fabiano Kueva

La Pelota Cuadrada, Juan Luna-Avin

Juan Fernando Ortega, Paula Parrini

María Teresa Ponce, Eric Reyes-Lamothe

Paúl Rosero Contreras, Juan Pablo Toral

Gonzalo Vargas, Ana Vela y Danny Zavaleta.

nuestra anfitriona será
la internacional: Malva Malabar
la fiesta estará a manos de los reconocidos:
Dj Zukko Selector y Dj Achole
LES ESPERAMOS.

ERIC REYES-LAMOTHE en CEROINSPIRACIÓN

2010-11-14T16:08:00.000-08:00

CEROINSPIRACIÓN

presenta:

ESTUDIO ABIERTO

de Eric Reyes-Lamothe
artista en residencia 11 a 27 de noviembre

Curaduría de Ma. del Carmen Carrión

Inauguración: Viernes 19 de noviembre, 19h00

Imagen cortesía del artista.

"Esta no es una invitación a visitar una exposición, pues el sentido de una muestra implica la reunión de objetos terminados, obras que han pasado los filtros de selección de un artista y en cierta medida se han distinguido de los ejercicios que terminan como intentos fallidos, o de los procesos que con o sin intención son generalmente ocultados. Esta no es una reunión de obra por decirlo de alguna manera “terminada” y como tal desligada de su proceso de formación. Esta es una invitación a visitar un estudio abierto, en donde lo que se presenta no son productos sino procesos.

Esta puesta en abismo de la obra, reemplazada por una puesta en escena del estudio y por una performatividad del proceso artístico es a su vez la manera de hacer visible la residencia, que en ceroinspiración realiza el artista mexicano Eric Reyes-Lamothe. Este programa de residencias propone estadías cortas de investigación, donde den inicio o continuación procesos artísticos que interesan al artista y en los cuales se encuentra envuelto. Nos interesa que nuestros residentes se conecten de forma activa con la escena artística local y para eso hemos generado el formato Remedios Caseros, un espacio informal de intercambio de portafolios y circulación de saberes, buscando de esta manera potenciar la formación de redes y el diálogo crítico.

Eric trabaja a partir de series que se elaboran y cobran forma en largos períodos, muchas quedando latentes para ser revistadas en ocasiones posteriores, entre ellas se encuentra Multitudes Mínimas, una serie que ha mudado por distintos formatos, en la que el artista explora las multitudes, buscando encontrar un sentido poético de dichos eventos, y que como él explica no representa solamente un conglomerado de gente sino un punto de arranque a cantidades mínimas de información que se transforman. “La práctica siempre se da a partir de los procesos del grabado, desde el origen/original a la multiplicidad y de regreso al origen, en un flujo continuo”, explica Eric. Complementario a dicho cuerpo de trabajo está uno más reciente, el de Los Solitarios, una inflexión donde el fantasma de la multitud revela la soledad del individuo."

María del Carmen Carrión

ACERCA DEL ARTISTA:

Eric Reyes-Lamothe, Tulancingo, México, 1974. Vive y trabaja en Real del Monte, México.

Doctorando de la Universidad Complutense de Madrid, 2011; Master of Fine Arts, San Francisco Art Institute, 2008; Licenciado en Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM, 1999. Artista residente en el Philadelphia Art Hotel, 2009 y en el Fundament Studio 2008 en Tilburg, Holanda.

Ha expuesto en México, Estados Unidos, España, Perú, Canadá, Francia, Portugal, Polonia, Japón y Holanda. Su obra forma parte de la colección del Museum of Fine Arts de Boston y del Consejo Estatal para la Cultura y las Artes de Hidalgo. Algunas de sus exposiciones recientes son: Arte y política, Museo de Arte de Sinaloa, 2010; Hola y Adiós, Casa del Lago Juan José Arreola, Ciudad de México, 2010; Tangible, Galería TalCual Arte Contemporáneo, México DF, 2010; Invisible Homes, SOMARTS Cultural Center, San Francisco CA, 2009-2010; Ha participado en proyectos comunitarios, como la organización de festivales de arte, educación artística para niños en comunidades rurales, colaboraciones con la UNESCO y la creación de dos talleres-galería en Hidalgo.

Recibió la Beca Fulbright García-Robles, 2006; Beca AECI-MAE, España, 2005; Becas del Fondo Estatal para la Cultura y las Artes de Hidalgo, 2001, 2003, 2010; Premio Estatal de la Juventud, 2003; Intercambio académico con la UBC, Vancouver, 1996. Actualmente es Profesor Investigador en el Instituto de Artes de la Universidad Autónoma del Estado de Hidalgo.

www.eric-reyes.com

Agradecimientos:

Instituto de Artes de la Universidad Autónoma del Estado de Hidalgo

FOECAH

CONACULTA

PAULINA LEÓN y MA. DOLORES ORTÍZ en CEROINSPIRACIÓN

2010-11-14T15:22:00.000-08:00

ceroinspiración

presenta:

"Donde los peces se comen
a los pájaros

y los pájaros se comen
a los peces"

Instalación de:
Paulina León y Ma. Dolores Ortiz

Inauguración: Viernes 19 de noviembre, 19h00

Imagen cortesía de las artistas.

"La obra de Paulina León y de María Dolores Ortiz es lo que resulta de un diálogo en donde dos voces buscan algo común en la inmensidad y la intemporalidad, o mejor dicho en un espacio indiscernible y en un tiempo anacrónico. Ellas trabajan a partir de un proceso dramatúrgico, creando un primer cadáver exquisito a partir de diálogos que mantienen dos personajes, que cada una retrabaja apropiándose el texto de la otra hasta que el diálogo, su poética, de cuenta de esa búsqueda. Cada una de las dos tiene un horizonte en su propia búsqueda: León trabaja a partir de la experiencia de la travesía atlántica (su proceso inicia cuando decide atravesar el océano en un velero) y Ortiz a partir de un punto de vista que llama “intrauterino”, es decir desde un universo de agua, desde un universo puramente líquido y sonoro en el que tiene lugar el primer diálogo que imagina (qué pasaría si dos personajes tuviesen un conflicto dentro del útero, qué se dirían).

El continuum del agua es el punto de sutura, pero no como un lugar puro y natural, sino como una condición para el ejercicio que consiste en que dos personajes dialoguen en un contexto que tiene sus propias reglas, que son reglas diferentes. El agua interminable se vuelve un espacio con reglas distintas al espacio de la normalidad. Se pierde la temporalidad y la dimensión, el horizonte común de la búsqueda pierde realidad, no se sabe si está cerca o lejos, y las voces de los personajes desarrollan en esta circunstancia de aislamiento e infinitud una atmósfera. Esa atmosfera de circularidad genera un diálogo en espiral, parece que el lenguaje, el movimiento y los gestos empiezan a dar la vuelta como si volvieran siempre al mismo punto en el que tomamos conciencia de que en la inmensidad del agua los pájaros se comen a los peces y cuando caen los pájaros a su vez, exhaustos de no llegar a ninguna parte donde posarse, los peces se los comen al caer. Es un regreso que no llega al mismo lugar del que partió, un ciclo que no se cierra porque hay siempre un quiebre antes del cierre que recompone la inmensidad y la intemporalidad desde una nueva perspectiva: hay nuevos cadáveres en el agua y en el cielo, peces muertos y peces nacidos, nuevas aves y aves caídas, y un relato siempre nuevo de ese ciclo. El espacio y la atmósfera en donde eso es posible, se transforma para León y Ortíz en un espacio animado, con vida propia, que empieza a participar en el diálogo como un tercer personaje a partir de un lenguaje que irrumpe en el diálogo de modo intempestivo.

Paulina León y Dolores Ortiz muestran piezas de esa bitácora y nos proponen la experiencia de ese diálogo a través de una instalación en las salas altas de ceroinspiración."

Ana Rodríguez

Imagen cortesía de las artistas.

SOBRE LAS ARTISTAS:

Paulina León, Quito, 1978.
María Dolores Ortiz, Quito, 1974.

León y Ortiz realizan sus estudios de actuación en el Laboratorio del Teatro Malayerba de Quito (1995-2000) donde se conocen y empiezan a experimentar juntas. Ortiz continúa su formación en danza, teatro y paralelamente se especializa en doblajes y actuación vocal. León realiza sus estudios de diplomado y masterado en Artes Libres en la Escuela Superior de Artes de Berlín (KHB).

A partir del 2005, paralelamente a la obra individual de cada una, trabajan también como colectivo bajo el nombre de caleidoscopio producciones. Realizan conjuntamente obras de performance, video, instalación, objeto, audio y dibujo. Sus trabajos se han mostrado en Quito, Berlín, Paris, Reykiavik y Madrid. En el 2007 gana con la video instalación “la dupla” el premio de arte joven TENTACIONES en el Salón Internacional de Arte Contemporáneo Estampa, por lo cual reciben una residencia de artista en la Casa de Velázquez en Madrid para el 2009.

Imagen cortesía de las artistas.

La muestra estará abierta hasta el sábado 11 de diciembre 2010.

Agradecimientos:
Postproducción de audio: LIEM – CDMC / Madrid
Estudio de grabación: Rivas Sonido / Quito
Asistencia de ingeniería hidráulica: Ing. Diego Ortiz

MIGRALAB: plataforma de arte y migraciones en CEROINSPIRACIÓN

2010-10-04T17:23:00.000-07:00

ceroinspiración
presenta en el marco del

IV foro social mundial de migraciones:

migralab es un observatorio y una plataforma de diálogo para el arte y las migraciones, tiene como objetivo procesar desde la esfera del arte contemporáneo las emergencias del fenómeno migratorio, las discusiones y posibles puntos críticos que se formularán durante el IV FSMM de Quito 2010.

migralab es un espacio de experimentación que busca captar signos / registros y a la vez proponer miradas / versiones/ traducciones, desde la producción artística, sobre las movilidades humanas en contextos migratorios.

migralab está compuesto de dos momentos que se desarrollarán en la sede de CEROINSPIRACIÓN y en las sedes del IV FSMM.

WANTED, Camilo Ontiveros (México), cortesía del artista.

migralab: programación

1. centro de permanencia

8 al 10 de octubre, 10h00 a 20h00
Muestra de arte contemporáneo con la participación de:

Camilo Ontiveros (México), Wanted
intervención en fachada

Adrian Paci (Albania)

Centro di Permanenza Temporanea
proyección de video

Stefan Contantinescu (Rumania), The Flag
instalación

Camila Botero (Colombia) y Alan Poma (Perú)
Frontera Compartida / Frontera Migrante
instalación

Fabiano Kueva (Ecuador), El charco
audio

Stefan Contantinescu (Rumania), The Flag

instalación, cortesía del artista.

2. visiones de la frontera
Muestra de videos + diálogo con la audiencia

VIDEO CARTAS ABIERTAS, Melina Washima y Juanpablo Ordóñez,

still de video, cortesía de los artistas.

8 de octubre 19h00

Manuel Kingman, Frontera Compartida

memoria en video de la residencia - recorrido por la frontera Ecuador - Perú.
9 de octubre 19h00
-Laboratorio ZALAB, Il mio paese, G2 Padova, Italia 2010
-Amina Alvear, Don Lorenzo y yo - Pa' morirme allá con los míos

EE. UU. 2010.

-María Rosa Jijón - Rete G2 Seconde Generazioni, Forte e Chiaro
Italia 2006.
-Juanpablo Ordóñez y Melina Washima (Ñukanchik People)
Videocartas Abiertas, Ecuador 2010.
10 de octubre 19h00
SEGRE, YIMER & BIADENE, Come un uomo sulla terra
Producción ZALAB & ASINITAS ONLUS, Italia 2008.

María Rosa Jijón - Rete G2 Seconde Generazioni, Forte e Chiaro,

still de video, cortesía de los productores.

3. check point

8 al 10 de octubre
Equipos que rotan, registran y procesan las agendas del Foro, a manera de observatorio y trabajo en proceso. Artistas participantes:
Raquel Acevedo (Ecuador)
Juanpablo Ordóñez - Ñukanchik People (Ecuador)
Raúl Ayala (Ecuador)
Fabiano Kueva (Ecuador)
Coordinación: María Rosa Jijón (Ecuador)
Cada uno de los participantes realiza registros diarios en las sedes del Foro. Se realizan reuniones de coordinación para establecer los criterios de edición y publicación de los mismos. Cada tarde entre las 18h00 y 20h00 se instalarán estos materiales en CEROINSPIRACIÓN

4. remedios caseros

Presentación de proyectos artísticos al rededor de temas de movilidad / fronteridad, diálogos entre actores del Foro y la audiencia.

8 de octubre 17h30 - 19h00

FRONTERA COMPARTIDA / FRONTERA MIGRANTE

Los artistas Alan Poma (Perú), Camila Botero (Colombia) Paúl Rosero, Ana Carrillo, Juan Fernando Ortega (Ecuador) realizarán un inventario de su recorrido por las provincias fronterizas de Ecuador con Perú en el marco del proyecto de residencia desarrollado por CEDIC y CEROINSPIRACIÓN en septiembre 2010.
9 de octubre 17h30 - 19h00
Oscar Chacón (EE.UU.) NALAAC diáloga sobre puntos críticos del tema migratorio. Modera: María Rosa Jijón.

10 de octubre 17h30 - 19h00

CHECK POINT

Los artistas participantes en el observatorio realizan un inventario- evaluación de sus monitoreos y dialogan con la audiencia sobre los alcances del ejercicio propuesto.

5. intervenciones

8 de octubre: 20h30

FRONTERA DIGITAL

Electrónica A/V por Alan Poma e invitad@s.

9 de octubre: 20h30

MUGRE SUR VS. EL DEPÓSITO desde el Sur de Quito

invitado especial VJ Hu Ang

Presentación CD hip hop + DVD de performances

10 de octubre: 20h30

PROYECTO YUYANA: TRAYECTOS

Proyección A/V por María Teresa Ponce y Fabiano Kueva.

Producción y dirección: CEROINSPIRACIÓN
Coordinación: María Rosa Jijón y Fabiano Kueva
Imagen de fondo: WANTED, Camilo Ontiveros (México).
Diseño: Ana María Vela
Asitencia: Sergiom Mediavilla.

Con el apoyo de: Ministerio de Cultura del Ecuador, Fundación Príncipe Claus, AECID y Residencias_en_Red_Iberoamérica.

Ubicación de CEROINSPIRACIÓN desde las sedes

del IV FSMM 2010 (hacer click en la foto):

FRONTERA COMPARTIDA: residencia en espacios limítrofes de Ecuador / Perú

2010-09-22T17:00:00.000-07:00

Frontera Compartida

un proyecto conjunto de

CEDIC y CEROINSPIRACIÓN

¡Hazte frontera!

Dentro de este proyecto, entendemos “frontera” como el límite imaginario de un territorio. Ese territorio se relaciona con otro, creando una especie de tercer territorio que es la frontera. En ella, se establecen formas fronterizas, liminales, que reproducen prácticas descentradas, que se alimentan de un “afuera”. La célula por ejemplo se alimenta de lo que pasa por su membrana. La membrana es su frontera. El “aquí” y el “allá” no son definibles independientemente, sino que se alimentan el uno del otro.

El discurso de la frontera se naturaliza a través de su delimitación geográfica y de su legitimidad histórica. Sin embargo las prácticas fronterizas terminan siempre por cuestionar estas formas nítidas, volviendo la ambigüedad y la ambivalencia una de sus figuras principales, destituyendo la validez formal de las fronteras y entonces también la centralidad que les dio legitimidad.

De la misma manera los lenguajes del arte contemporáneo tienen la capacidad de dar cuenta de mezclas, fusiones y ambivalencias, es decir trabajar en sus propias fronteras de manera crítica.

Objetivo general:

Implementar mecanismos que permitan desarrollar una cultura de frontera basada en la responsabilidad social y el respeto a la diferencia cultural, poniendo en valor las prácticas de vida y las formas de representación demandadas por las comunidades de frontera.

L@s participantes en FRONTERA COMPARTIDA

FRONTERA COMPARTIDA es una residencia - recorrido por espacios limítrofes de Ecuador y Perú que se realiza entre el 15 y el 29 de septiembre de 2010 con la participación de los artistas: Alan Poma (Perú), Christian Luna (Perú), Alejandro Jaime (Perú), Paúl Rosero (Ecuador), Ana Carrillo (Ecuador), Juan Fernando Ortega (Ecuador), Camila Botero (Colombia); l@s curadores: María del Carmen Carrión (Ecuador), David Flores Hora ( Perú); la relatoría del artista Manuel Kingman (Ecuador), la dirección general de la curadora Ana Rodríguez y la colaboración de la Universidad Nacional de Loja con el apoyo de Estuardo Figueroa, decano de la Facultad de Artes de la UNL y de Milton Andrade, decano de Comunicación de la UNL. La comprometida tarea de la conducción del bus de la Universidad Nacional de Loja que transporta a los artistas está a cargo de Ovidio González.
El apoyo del escritor Roy Sigüenza (investigador y activista cultural de la Provincia de El Oro), de Eladio Cobos, ex alcalde de Zapotillo, de Eduardo Tapia en representación del Gobierno de Loja, de Lorcy Calva consejala adjunta de Huaquillas, y del Dr. Villacís rector de la UNL, han sido fundamentales.

El itinerario de FRONTERA COMPARTIDA es: Zaruma - Portovelo - Huaquillas (provincia de El Oro - Ecuador) / Puyango - Zapotillo - Pindal - Macará (provincia de Loja - Ecuador) / Sullana - Piura (departamento de Piura - Perú) / El Cisne - Loja (provincia de Loja - Ecuador) / Zamora -Shaimi (provincia de Zamora Chinchipe - Ecuador).

Macará, Frontera Ecuador-Perú

FRONTERA COMPARTIDA tendrá dos fases: la primera en la frontera ecuatoriano-peruana durante dos semanas y posteriormente en una segunda fase de dos semanas más en la residencia de CEROINSPIRACIÓN en Quito. En ésta se establecerá un metodología de discusión para plasmar los procesos de los artistas en presentaciones a ser mostradas en el marco del MIGRALAB espacio paralelo al Foro Mundial de Migraciones. los 8, 9 y 10 de octubre de 2010 en CEROINSPIRACIÓN.

Aguas Verdes, frontera Ecuador-Perú

FRONTERA COMPARTIDA es un proyecto conjunto de CEDIC y CEROINSPIRACIÓN en colaboración con CASA TRES PATIOS (Medellín - Colombia) y ALTA TECNOLOGÍA ANDINA (Lima - Perú). Con el auspicio de Fundación Príncipe Claus, Residencias_en_RED, AECID y el apoyo del Gobierno de Loja y la Universidad Nacional de Loja.

SIGNO Y SÍNTOMA: DIBUJO EN EL CAMPO EXPANDIDO en CEROINSPIRACIÓN

2010-08-30T09:41:00.000-07:00

CEROINSPIRACIÓN

presenta:

Signo y Síntoma:
dibujo en el campo expandido

Curadoría de María del Carmen Carrión

Inauguración: Viernes 10 de septiembre, 19h00
D.J. invitado: Paul Rosero

Laura Belém, Ao encontro de..., 2003, captura de video.

Cortesía de la artista y Galería Luisa Strina, Sao Paulo.

CEROINSPIRACIÓN anuncia su exposición de aniversario Signo y Síntoma: dibujo en el campo expandido una muestra colectiva que explora el uso del dibujo en las prácticas artísticas contemporáneas.

La exhibición examina los distintos acercamientos al dibujo, a través de una selección de trabajos que potencian el uso de los soportes y los procesos. La muestra se convierte en un foro para considerar como la línea y el trazo ha migrado a diversos medios como el video y la gráfica digital.

Rubén Gutiérrez, The best artwork in the world, 2007-09,
captura de video. Cortesía del artista.

La muestra reúne trabajos de Laura Belém (Brasil), Juan Caguana + Illich Castillo (Ecuador), Rubén Gutiérrez (México), Pablo Helguera (México), Daniel Ludeña (Ecuador), Mads Lynnerup (Dinamarca), Haden Nicholl (EEUU), Juan Pablo Ordóñez (Ecuador), Wilson Paccha (Ecuador), Fabián Patinho (Ecuador), Andrés Pérez (Ecuador), RSA Amination (Reino Unido) y comisiones de nuevas obras de Virginia Cordero (Ecuador) y Enrique Minjares (México).

Juan Caguana e Ilich Castillo, "Grafitti", 2006, captura de video.

Cortesía de los artistas.

Las líneas temáticas de Signo y Síntoma apuntan a las relaciones entre forma, concepto y procesos artísticos. Los trabajos seleccionados traen a colación un variado número de temas y problemáticas: las relaciones entre capitalismo y cultura; el sistema del arte y las figuras de culto, representaciones y mapeos de ciudades, pulsiones eróticas, y políticas de la representación y la memoria. Además la muestra investiga el uso del video, la animación, la ilustración y la tipografía como nuevos territorios del dibujo.

Mads Lynnerup, "You are the artist" 2009, afiches.
Cortesía del artista.

La muestra estará abierta hasta el sábado 2 de octubre.

NATALIA GRANJA coreografía de ESTEBAN DONOSO en CEROINSPIRACIÓN

2010-08-10T14:44:00.000-07:00

CEROINSPIRACIÓN

presenta:

una coreografía de Esteban Donoso
a propósito del film Natahlie Granger
de Marguerite Duras
con Sofía Calderón y Vivina Sánchez.

SINOPSIS:

NATALIA GRANJA es una producción coreográfica de Esteban Donoso que dialoga con el film Nathalie Granger de Marguerite Duras. La tarea en este trabajo es la de minimizar lo representacional/simbólico del cuerpo y explorar lo real de sus interacciones con el espacio y con otros cuerpos.

La referencia al film de Duras le sirve al coreógrafo como un marco dentro del cual encaminar su propia exploración de las relaciones entre el cuerpo y la arquitectura. La interrelación con el film entabla diálogos posibles entre la imagen, el cuerpo, el espacio y el espectador.

ESTRENO:
Jueves 26 de agosto, 19h30
Viernes 27 de agosto, 18h30 y 20h00
Sábado 28 de agosto, 18h30

TALLER:

Del 17 al 21 de agosto de 17h00 a 19h00

Como parte del proyecto, se realizarun Taller de Composición Coreográfica, sin costo, dirigido a personas interesadas en la coreografía y la puesta en escena a cargo de Esteban Donoso.

En este taller se tomarán como referencia los espacios físicos y su relación con el propio cuerpo. Cada persona tiene una relación particular con el entorno y un modo propio de interactuar con el espacio. A través de explorar estos mecanismos individuales de "estar" en un lugar, desarrollaremos estrategias de puesta en escena que indaguen en esas relaciones así como también en la posibilidad de crear una poética individual del espacio. Basándose en esta investigación personal, cada participante desarrollará su propia propuesta a lo largo del taller.

L@S ARTISTAS:

Fotografía: CEROINSPIRACIÓN

Esteban Donoso. Es coreógrafo, maestro, bailarín e investigador. Estudió en el Frente de Danza Independiente en Quito y obtuvo su Maestría en Danza de la Universidad de Illinois. Ha dictado cursos en la Universidad de Illinois y el Beloit Collage (E.E.U.U) y en la Universidad de Cuenca (Ecuador).
En su trabajo coreográfico, utiliza la escena como un espacio para investigar la perspectiva y el lugar/los lugares subjetivos del espectador frente a lo que ve. Ha realizado coreografías en lugares no convencionales así como también en teatros en Estados Unidos y Ecuador. Como interprete ha trabajado con los coreógrafos: Ernesto Ortiz y Klever Viera en Quito y Tere O´Connor, Jennifer Monson, Sara Hook y David Parker en Illinois.

http://movimientolaredsd.ning.com/video/a-piano-a-beach-fragmentos

http://movimientolaredsd.ning.com/video/talia-baila

Fotografía: Pamela Corrales.

Sofía Calderón. Inicia los estudios de danza contemporánea en el año 1990 mediante clases y talleres impartidos por varios grupos independientes de la ciudad: Frente de Danza Independiente, Fundación Casa de la Danza y Fundación Cultural Humanizarte. Ha tomado clases de danza en Costa Rica y Argentina.
Integró el elenco de la Compañía Nacional de Danza. Ha participado en espectáculos del Frente de Danza Independiente y de la Fundación Cultural Humanizarte como bailarina invitada. Ha realizado coreografías desde 2006. Tiene experiencia como maestra de danza contemporánea, expresión corporal y yoga. Sofía ha participado en festivales en Colombia, Bolivia, México, Guatemala, Egipto y China

Viviana Sánchez. Inicia su labor dancística con grupos de danza nacional, posteriormente estudia danza contemporánea y ballet en la Escuela Anexa de la Compañía Nacional de Danza del Ecuador. Forma parte del elenco de la Compañía del 2000 al 2005. Ha tomado clases de diversas Técnicas de Danza Contemporánea en México y Argentina.
Ha sido maestra de danza clásica y contemporánea en el Centro de Formación Danzarte, en la Escuela de Exploradores de la Danza del Frente de Danza Independiente, la escuela de danza Ballet y Escuela de artes Escénicas de la Universidad Estatal de Cuenca.Ha participado en festivales en Colombia, Perú, Cuba, Egipto y Japón. Como bailarina independiente ha participado en varios montajes con Ernesto Ortiz y otros coreógrafos de la ciudad.

Video cortesía ÑUKANCHIK PIPOL arte y audiovisuales

NATALIA GRANJA es un proyecto auspiciado por:
Ministerio de Cultura del Ecuador, Mu Psique y CEROINSPIRACIÓN.

ORNATO Y DELITO: Adrián Balseca, Yoshua Okón + Artemio en CEROINSPIRACIÓN

2010-06-30T11:45:00.000-07:00

ceroinspiración presenta:

ORNATO Y DELITO

Adrián Balseca, instalación

y Yoshua Okón + Artemio, video

Apertura: viernes 9 de julio de 2010, 19h00

Invitado especial: DJ Zyborg

FUNDICIONES, Adrián Blaseca
fotografía: Martina Avilés

“La grandeza de nuestra época radica en el hecho de que es incapaz de crear un ornamento nuevo. Hemos vencido al ornamento.

Hemos decidido finalmente prescindir de él”

(Adolf Loos, Ornamento y delito).

La muestra de Adrián Balseca ocupa las dos salas altas de ceroinspiración: en la primera instala una campana de hierro hecha de alcantarillas robadas y fundidas, y en la otra, una lámpara de cristal que alumbra gracias a la energía que toma del poste de la calle a través de un cable que entra por una ventana rota.

Escribía el arquitecto vienés Adolf Loos, en su texto Ornamento y delito (1908) que la modernidad abría una posibilidad fundamental sobre la concepción del tiempo, el espacio y la estética: la ausencia de ornamento. Para Loos la época moderna podía significar el destierro del absurdo que significaba la necesidad humana de crear ornamentos; y advierte en este cuasi manifiesto, que la persistencia sobre la producción de ornamentos era una tentación sistemática justificada por la generación de alegría vital o de volver hermoso un objeto. En la muestra Ornato y delito se retoma sus reflexiones sobre el lenguaje, la producción objetual cargada de contenidos políticos y las fronteras borrosas entre lo público y privado, para esta vez proponernos en una doble vía la imbricación entre la transformación de objetos utilitarios en ornatos sonoros, y por otro la relación de objetos privados con la utilidad de lo que nos ofrece ese intrincado espacio público.

A través de la acción Toma de Luz, literalmente se “toma” –temporalmente– la energía eléctrica de un poste de la calle a través de un cable que entra por la ventana de galería para alimentar la luz que emana una lámpara antigua, objeto familiar, que iluminará el centro de una de las dos salas que constituyen la muestra, casi ocupando el espacio por completo por la desproporción entre el tamaño exagerado de la lámpara y el reducido espacio de la sala. Frente a esta situación, nos preguntamos ¿cómo es representada la dimensión de lo público en el espacio privado de la galería? ¿O es la galería entonces un lugar de la esfera pública donde se debate sobre lo público? ¿Qué nos aporta saber en dónde está el límite entre público y privado? ¿Qué nuevos contextos de significaciones nos presenta esta intervención? En primer lugar, nos presenta el contexto de la irrupción: irrupción de cables de energía que provienen de los exteriores –y por tanto son públicos–, irrupción acentuada por la ventana que ha sido rota no para sacar algo sino para meter electricidad; rotura que es metáfora de la toma de electricidad tipificada como delito por el marco jurídico del estado ecuatoriano.

Pero la toma es presentada como la posibilidad del ornamento y no como la metáfora de la precariedad, esa acción que potencia la relación entre la utilidad de un objeto y su tentación ornamental.

Loos sostenía con una convicción inclaudicable que el ornamento era sobretodo una pérdida inútil de fuerza laboral, de tiempo de trabajo, y que con su producción no se conseguiría la alegría ni se convertiría en hermoso al mundo. Denuncia al ornamento moderno como anclado y subvencionado por el Estado, en el contexto de una estética del vaciamiento que ve en el ornamento una inutilidad y un exceso innecesarios propios de los primeros años de vanguardia del siglo XX.

Las piezas de Adrián Balseca reconocen en Loos una enorme potencialidad discursiva en los cruces entre estética, diseño y urbanismo o planificación pública. Pero su forma contemporánea de entender el mundo de la vida hace que la reflexión no se ancle en el deber ser sino en la puesta en tensión entre dos prácticas de vida: una es el robo común de energía eléctrica, otra es el ejercicio del sentido en un modo de vivir de barroco (colgar una araña de cristal con un sinnúmero de foquitos). La segunda, la de la araña que parecería innecesaria, tanto como el ornamento generalizado por Loos, resulta tan vital como la primera si pensamos que en el ethos barroco el ornamento es una parte integrante tan fundamental de la modernidad inacabada como la misma electricidad. Nos volvemos a hacer preguntas ¿Cuál es el delito? ¿el robo de energía? ¿Qué es el ornato para ese delito sino un alibi? ¿La precariedad del servicio público justifica moralmente el robo de energía… y el ornamento qué justifica?

Con Fundiciones (Título en proceso), se vuelve a cometer otro “delito” al tomar algunas tapas de alcantarillado público para fundirlas y convertirlas en una campana de hierro que lleva la inscripción “todo ladrón será quemado”. Aquello que podría situarse en el plano en tensión entre lo ilegal y lo legal, es convertido nuevamente en una tensión entre lo público y privado, y entre lo útil y lo ornamental. Es entonces la perdurabilidad del objeto lo que permitiría poner en un nuevo contexto estas tensiones. Las tapas no son eliminadas, ni vendidas, ni usadas como tapas de alcantarilla, son transformadas mediante la fuerza de trabajo del artesano y su tiempo, en un objeto que oscila entre la utilidad de la alarma comunitaria (la campana es así entendida como la primera versión del megáfono comunitario) y el carácter netamente crítico de una campana en el espacio de exhibición.

Sin llegar a verse “salvados”, éstos objetos se van escapando de posibles definiciones rígidas para volverse experiencias estéticas que promueven una crítica de las nociones de “ornato” y “delito” desde un margen de la ciudad como es el espacio de arte contemporáneo de ceroinspiración. No olvidemos cuál es el contexto espacial y político, cotidiano y objetual en el que se formulan estas articulaciones: Quito, lugar donde las prácticas informales de uso de la ciudad, los intentos municipales de control del espacio, las disputas de su uso, las restricciones y las tácticas para sortear esas restricciones, sumadas a la “viveza criolla”, la inventiva cotidiana y una intención de juego a través del cual se fracture ese cotidiano, se hacen presentes en dos objetos, lámpara y campana, que denuncian desde la frontera permeable de la toma y el delito su propio acto.

ZENITH, Yoshua Okón + Artemio
video cortesía de los artistas y Galería Revolver Lima

Acompañando esta muestra, ceroinspiración presenta la instalación Zenith (video color, 2008) de los artistas Yoshua Okón (Mexico, 1970) y Artemio (Mexico, 1976). Este video, producida en el Perú, representa all colibrí emblemático de Nazca, pero trazado por unas líneas de cocaína.

LOS ARTISTAS:

Adrián Balseca, 1989, Quito Ecuador. Autodidacta diseñador gráfico y artista plástico, ha realizado exhibiciones individuales y colectivas dentro y fuera del país: Ornato y Delito, Espacio Ceroinspiración Quito; Quito en Zaragoza, Centro de la Historia Zaragoza-España; Ecuadorian Renaissance, Community Art Gallery Queens Museum of Art, New York - EEUU; Si Hay Gas, Galería El Container, Quito; Lo que pasó pasó, Espacio Arte Actual, Quito, entre otras.

Ha participado en el proyecto editorial Album 3; el Salón del Comercio; en el Primer Premio del Público; en el Quinto Encuentro Internacional de Arte Urbano Al Zur-Ich, en la cuarta edición del mismo encuentro y en la Primera Bienal de Artes No Visuales en el museo Nahím Isaías de Guayaquil. En el Salón Mariano Aguilera 2008 obtuvo la 1era mención de honor.
Actualmente forma parte del colectivo de arte contemporáneo La Selecta Cooperativa Cultural, proyecto editorial web, www.laselecta.org; y colectivo artístico que busca generar espacios de difusión, critica y producción de las prácticas artísticas en el país.

Yoshua Okón, 1970, DF-México. Realizó sus estudios en la Universidad Concordia en Montreal, en Canadá y en la UCLA en Los Angeles. Vive y trabaja en Mexico y en los Angeles. Ha expuesto en numerosos institutos internacionales como: CCA Wattis, San Francisco, New Museum, New York; Hayward Gallery, Londres; PS1 MOMA de New York, Getty Center, Los Angeles; Artists Space en New York. En 2008, participó en Art Effectuer, Art Basel Miami Beach, y en 2005 en Turín Triennale, Castello di Rivoli, en Italia. Sus obras figuran en las siguientes colecciones: Blanton Museum Collection, Austin; Colección Fundación ARCO, Madrid, Colección Lopez Rocha, Guadalajara, en Mexico; Colección Pierre Huber, Ginebra; CIFO, Cisneros Fontanals Art Foundation, Miami, Fondazione Morra Greco, Napoli; Beach Collection Jumex, Mexico, Museo de Orange County of Art Newport; Tate Modern, Londres.

Artemio, 1976, DF-México. Vive y trabaja en México. Artista multimedia cuya práctica se extiende al video, la escultura y la pintura. Gracias a la apropiación y a la reinterpretación del pop en los elementos culturales y en los íconos, Artemio busta yuxtaponer un largo abanico de conceptos como el amor, la guerra, el kitch y la repulsión. En el transcurso de estos dos últimos años, ha realizado exposiciones individuales en Bogotá, Lima, México, Guadalajara, New York y Londres, y su trabajo ha sido presentado en exposicones colectivas en Moscou, Sydney, La Habana, Miami y Seúl. Artemio fue beneficiario de la subvención FONCA Jóvenes Creadores de México y el diario El Universal lo consagra como uno de los 17 artistas vivos más pertinentes del arte contemporáneo mexicano.

CEROINSPIRACIÓN: EL LEVANTAMIENTO DE LA FLORESTA

2010-06-23T07:48:00.000-07:00

CEROINSPIRACIÓN se ha propuesto en el mediano plazo convertirse en un espacio que genere y acoja una serie de materiales, experiencias, acciones y registros con los diferentes sujetos y actores sociales de la comunidad La Floresta para ubicar y procesar temas de memoria, circulación, convivencia, culinaria, presión inmobiliaria, etc. mediante herramientas interdisciplinares de mediación y catalización.

Recuperamos el enunciado Levantamiento, que tiene una carga histórica importante en lo referente a las luchas populares, como un posible mecanismo de convocar a la acción y la pertenencia. Hacer de CEROINSPIRACIÓN no un museo del barrio, sino un lugar donde la comunidad proyecta su mirada de La Floresta en el futuro a partir de la reconstrucción de su pasado y presente.

El Levantamiento de La Floresta inició el sábado 26 de junio, en el marco de la Fiesta de La Música 2010, con las siguientes actividades:

10h00 - 17h00: Toma de la Calle Guipozcoa entre Lugo y Mallorca con una Fería Libre con la participación de Lobbana Bazar Mix, Divina Papaya, Moshenek, Vilar Volar, La Cajonera, Estudio Siamés, Senhor do Bonfim, La Oveja Negra, Mermelad Warrior, Takú, La Casa del Árbol, Uchu Matita de Ají, Oído Salvaje, que ofrecerán sus libros, música, videos, diseño, fanzice, objetos, comida típica y mucho más.

Además: la muestra ENSIMESMANDO DE GUGA FERRAZ y la selección de videos PROJECT 35 en la Sala Monocanal de CEROINSPIRACIÓN.

16h00 a 17h30: Cine en las Tripas: La Cabina del Sexo Idiota lecturas, filmación y proyecciones a cargo del colectivo poético / audiovisual.

17h00 a 19h00: La Familia en Casa: Ceroinspiración abre sus puertas a las familias de La Floresta para compartir sus memorias, sus objetos preciados con la comunidad en un ambiente cálido de café de la tarde y bocaditos de sal de receta familiar. Estos saberes y experiencias darán contenidos al ARCHIVO MÓVIL de La Floresta.

19h00 a 20h30: La Banda del Barrio: los actores musicales de la comunidad en escena. Esta ocación en el marco de la Fiesta de la Música 2010.

Don Zumárraga

Queen Size Bed

Arkabuz

EL RELOJ DE ARENA DE IRIS DISSE en CEROINSPIRACIÓN

2010-06-09T21:35:00.000-07:00

CEROINSPIRACIÓN

CENTRO EXPERIMENTAL OÍDO SALVAJE
presentan:

ESTE JUEVES 17 DE JUNIO A LAS 19H00.

SERIE INTERVENCIONES: plataforma de sonido + visuales experimentales en vivo con artistas sonoros, DJs, compositores y Vjs en nuestro jardín.

Fotografías: Joelle Bouvard

SERIE INTERVENCIONES UNO tiene como invitada
a la artista alemana IRIS DISSE con su obra electroacústica:

EL RELOJ DE ARENA
pieza electroacústica en 5.1 canales + visuales en vivo

Composición sobre flujo del tiempo / fragilidad de lo momentáneo / sentidos alrededor de lo vivido. Grabada en locaciones diversas como una fábrica de vidrio cerca el lago de Lucerna (Suiza), donde aun se sopla vidrio; en los Estudios de Radio Berlín (Alemania) y en una pequeña cueva en Quito (Ecuador) junto al grupo de experimentación de la voz ILALOA. La versión a estrenarse en CEROINSPIRACIÓN es una intervención sonora en surround 5.1 y dos VJs invitados que crearán en vivo imágenes a partir de la obra sonora.

Artistas participantes en la realización:
Otto Lechner (acordeón)
Pit Gutmann (esculturas sonoras, percusión, instrumentos de vidrio)

David Höner (bajo)
Fabiano Kueva (theremin)
Astrid Pape (clarinete bajo)
Grupo de experimentación de la voz ILALOA:

Susanna Tapia León, Gabriela Guerrero Tapia,

Gloria Arcos, Iris Disse y Astrid Pape
Sonido: Peter Avar y Fabiano Kueva
Dirección: Iris Disse y Peter Avar
Concepto y composición general: Iris Disse.

EL RELOJ DE ARENA es una coproducción de:

RBB - RADIO BERLIN BRANDENBURG

Centro Experimental Oído Salvaje y ALER.

Visuales en Vivo de Vera León y Pedro Cagigal.

IRIS DISSE es actriz, directora de teatro y video, compositora de obras radiofónicas y performer. Vive desde 1994 entre Quito, Berlin y Zürich. Por sus obras de Arte Acústico y Radio Features ha recibido varios premios, nacionales e internacionales como el "Prix Futura" de la BBC. Actualmente trabaja como Coordinadora del Proyecto Audiovisual ALER-LA MIRONA en Quito, Ecuador.

PROJECT 35 en CEROINSPIRACIÓN / 5

2010-05-27T08:56:00.000-07:00

ceroinspiración presenta:

PROJECT 35
un programa de Independent Curators International
Parte 1 de 4

Programa semana: 27 de mayo a 3 de junio

9. Robert Cauble
Alice in Wonderland, or Who Is Guy Debord?, 2003
Video monocanal con color y sonido
23 min., 20 seg.
Cortesía del artista
Seleccionado por Raimundas Malasauskas

Desde 1865, cuando la novela Alicia en el país de las maravillas de Lewis Carroll fue publicada por primera vez, ésta ha reaparecido en diversas ediciones, traducciones e interpretaciones en otros medios, muchas de ésta tomando una gran distancia del original. Cada Alicia tiene su propio país de las maravillas, éstos cambian de acuerdo al año de producción, el estilo de la adaptación y el idioma de la traducción; pero sobre todo y ante todo, dependen de Alicia misma. El mundo al que Robert Cauble envía a la Alicia de Disney resulta ser uno más allá de lo ella esperaba encontrar: una brutal pero entretenida introducción a la teoría de la sociedad del espectáculo de Guy Debord. Flores parlanchinas ahora interpretan una versión rap del manifiesto Situasionista; el gato Cheshire decodifica rastros del espacio con sus propias pisadas; subtítulos de karaoke intervienen con la historia, y el tour de Alicia en el país de las maravillas concluye con un espectacular video musical. Mientras está ahí, Alicia se da cuenta que es parte de eso, sin embargo tratar de escapar. Ella regresa más transformada que las otras Alicias, con pensamientos heréticos. Pero ¿a dónde regresa?. Talvez el mundo del que vino, esa infame sociedad del espectáculo de la que trataba de escapar. Cauble ha hecho una re-ingeniería del dibujo animado de Disney, con tal precisión y cariño que a pesar de ser parte de esa sociedad del espectáculo, yo sólo deseo ser esa Alicia. Y luego, llegó YouTube.

- Raimundas Malasauskas

ACERCA DEL ARTISTA

Robert Cauble (Oahu, Hawai) vive y trabaja en Chicago. Se graduó de The School of the Art Institute of Chicago con un B.F.A. el 2005. Sus obras han sido incluidas en varias exhibiciones colectivas, entre otras: Cine y Casi Cine (2004, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, España), London Film Festival (2004), e International Film Festival Rotterdam (2004, Paises Bajos), CAC TV (2005, Vilnius Contemporary Arts Center, Lituania), Video 2005 (2005, Art in General, Nueva York) Video Visions (2005, Institute of Contemporary Arts, Londres) y What Remains (2007, Busker Gallery, Chicago). Sus obras de video cros-disciplinar han sido incluidas en importantes festivales de cine. El ha curado además dos muestras: Relatives, Runaways, and Trees: Videos of Kinship (2004, Munki Haus, Chicago) y An Evening with Caveh Zahedi (2005, Chicago Filmmakers, Chicago).

ACERCA DEL CURADOR

Raimundas Malasauskas (Vilnius, Lituania, 1973) es un escritor y curador que vive y trabaja en Paris. Desde 1995 hasta 2006 fue curador de CAC Vilnius y CAC TV; el 2007 co-escribrio un libretto para una opera, Cellador, que fue presentada en Paris. En 2007-08 fue curador visitante del California College of Arts, San Francisco, y desde 2007 hasta 2009 fue además curador de Artists Space, Nueva York. Sus textos tocan temas de fenómenos contemporaneous, biografías y historias, apuntando hacia los mundos paralelos de la ciencia, los medios, el cine, la literatura y la cultura de masas.

GUGA FERRAZ: ENSIMESMANDO en CEROINSPIRACIÓN

2010-05-21T17:48:00.000-07:00

CEROINSPIRACIÓN

presenta:

ENSIMESMANDO

exposición del artista GUGA FERRAZ

curadoría de BEATRIZ LEMOS

INUAGURACIÓN: MIÉRCOLES 26 DE MAYO, 19H00

invitados especiales: GANG BANG
(electrónica improvisada)

"¿Cuántas veces puede un artista, que requiere revisarse, insistir en un trabajo hasta que sus posibilidades de investigación y encantamiento se agoten? ¿Se avistan constantemente nuevos y diferentes puntos de vista de una misma idea? La exposición ENSIMESMANDO de Guga Ferraz trae a colación esta cuestión, que a menudo se convierte en un dilema para el artista.

Como propuesta para su participación en el proyecto Mobil(c)idades: s. f. 1 movimento comunicado por una fuerzaa cualquiera Guga lleva al espacio CEROINSPIRACIÓN una selección que determinó su carrera y permeado la estética urbana de los lugares que ha visitado, principalmente de Río de Janeiro, donde nació y vive. Indios, Rendido, Dormindo y sus llamas de fuego se han convertido en la identidad visual del artista. Mensajes de impacto, vistos desde detrás imágenes de líneas simples y gráficos, todos impresos en serigrafía.

La ocupación de este de espacio, desconocido para el artista hasta entonces, fue una gran inspiración (permítase el juego de palabras) para el ejercicio de experimentar y mirarse. Una exposición de afiches. Una conversación sobre el arte, intervención urbana y su movimiento hacia la galería.

La residencia móvil de Guga ocurre por tres ciudades de Ecuador: Quito, Cuenca y Guayaquil. Su viaje se dará a conocer a nosotros a través de su diario. Una inmersión por la misma ruta y las relaciones que hice en 2008. El equipaje para la vida y la obra. Momento para muchas revisiones."

-Beatriz Lemos

Guga Ferraz (Rio de Janeiro, Brasil, 1974) estudió arquitectura y bellas artes en la Universidad Federal de Rio de Janeiro. Inició su trabajo de acciones públicas y arte urbano como parte del Colectivo Atrocidades Maravilhosas. El conjunto de sus proyectos tienen a las ciudades y sus lenguajes como marco de referencia. Basado en estrategias de INTERFERENCIA y el manejo de soportes de bajo presupuesto reflexiona desde el campo del arte sobre los discursos de la violencia

http://gugaferraz.blogspot.com/

ENSIMESMANDO

exposición del artista GUGA FERRAZ

curadoría de BEATRIZ LEMOS

se mantendrá abierta hasta el sábado 12 de junio.

Proyecto auspiciado por:

Guga Ferraz está representado por:

PROJECT 35 en CEROINSPIRACIÓN / 4

2010-05-19T21:19:00.000-07:00

ceroinspiración presenta:

PROJECT 35
un programa de Independent Curators International
Parte 1 de 4

Programa semana: 20 a 26 de Mayo

7.KOTA EZAWA
Lennon Sontag Beuys, 2004
Video monocanal con color y sonido
2 min, 10 seg.
Cortesía del artista y Haines Gallery, San Francisco
Seleccionado por Constance Lewallen

En Lennon Sontag Beuys, el artista Kota Ezawa, quien radica en San Francisco, ha transformado video clips de apariciones históricas de tres íconos culturales del siglo XX. La transformación se realiza a partir de la animación digital de estos eventos fundacionales y de eliminar todo ruido visual para develar su esencia, al mismo tiempo que los mantiene reconocibles. John Lennon, durante su acción de 1969 Bed.In for Peace con Yoko Ono mientras estaban de luna de miel en Amsterdam, insiste en que la no-violencia es el único camino hacia la paz; Susan Sontag, en una conferencia en Columbia University en Nueva York en 2001, discute el potencial que tienen las fotografías para convertirse en elementos de protesta; y el artista alemán Joseph Beuys, en el New School for Social Research durante su charla-tour de tres días “Plan de Energía para el Hombre Occidental” en 1974, explica su concepto del arte como una escultura social que devolvería el vigor a la cultura occidental y permitiría conseguir un cambio positivo en la sociedad. Cada uno de los tres creía que los artistas tienen una responsabilidad moral de ir más allá de la expresión personal, y de que el arte puede y debe ser una fuerza para el bien. En este video hay una pregunta implícita sobre si ese idealismo es aun pertinente hoy en día.

— Constance Lewallen

8.EDWIN SÁNCHEZ
Clases de cuchillo, 2006-07
Video monocanal con color y sonido
8 min, 16 seg.
Cortesía del artista
Seleccionado por José Roca

Edwin Sánchez trabaja con un sin número de manifestaciones de violencia en Colombia, en donde vive y trabaja. Sus videos y las acciones que presenta son generalmente perturbadores, pero cargados de humor e ironía. Muchas veces explora las ambigüedades y contradicciones de la moralidad, ética, legalidad y explotación en sus obras, como cuando encuentra a un mendigo lisiado que pide dinero en una vereda de una ciudad y lo cubre con una caja de cartón, o cuando se roba un metro cuadrado de adoquines de una de las principales calles de Bogotá.

En Clases de cuchillo, manual de un crimen en tres pequeños actos, un drogadicto y asaltante con quien Sánchez establece amistad en las calles de Bogotá, le explica en detalle cómo fabricar un cuchillo de emergencia y como usarlo en una pelea o un robo. Alentado por el artista a quien escuchamos, pero no vemos, el hombre dibuja los distintos tipos de cuchillos y explica sus cualidades, después hace un cuchillo de una hoja de sierra rota y de vasos de plástico usados, y finalmente explica como atacar y defenderse en una pelea, o como matar a alguien. Cada uno de los tres actos es fría y desapasionadamente construido en un medio artístico distinto: dibujo, escultura, performance. Las imágenes despiertan en el que mira sentimientos encontrados de atracción y repulsión, empatía por el hombre necesitado quien conmueve con su honestidad, y la necesidad de recordarnos constantemente la brutalidad de las acciones que está describiendo.

— José Roca

ACERCA DE LOS ARTISTAS

Kota Ezawa (Colonia, Alemania, 1969) vive y trabaja en San Francisco. Se graduó en 1995 del San Francisco Art Institute con un B.F.A., y recibió su M.F.A. en 2003 de la Universidad de Stanford. Ha realizado una serie de exhibiciones individuales entre otras en el Wexner Center for the Arts, Columbus, Ohio (2009), Murray Guy, New York (2008), Hayward Gallery, Londres (2007), y Charles H. Scott Gallery, Emily Carr Institute, Canada (2007). Su obra ha sido presentada en varias muestras colectivas entre otras The Moving Image: Scan to Screen, Pixel to Projection (2009, Orange County Museum of Art, California), Superlight (2009, Museum of Contemporary Art, Cleveland, Ohio), Brought to Light: Photography and the Invisible, 1840–1900 (2008, San Francisco Museum of Modern Art, California), The Cinema Effect: Illusion, Reality, and the Moving Image, Part II: Realisms (2008, The Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Smithsonian Institution, Washington, DC), y la 5th Seoul International Media Art Bienniale (2008, Seoul Museum of Art, Korea). Ha recibido los siguientes premios: Meisterschüler, Kunstakademie Düsseldorf (1995), Jack and Gertrude Murphy Fellowship (2002), Louis Comfort Tiffany Foundation Award (2003), y SECA Art Award (2006).

Edwin Sanchez (Bogotá, Colombia, 1976) vive y trabaja en Bogotá. Es graduado de la Universidad Jorge Tadeo Lozano, Bogotá, con un título en diseño industrial en 2002 y con un M.F.A en 2007. Ha tenido exposiciones individuales en El Bodegón, Bogotá (2007), Galería Santafé del Planetario Distrital, Bogotá (2010), y la Galería Valenzuela Kienner, Bogotá (2010). La obra de Sánchez se ha incluido en varias muestras colectivas, incluido el Festival de Performance de Cali (2006, Cali, Colombia), Encuentro de Medellín MDE 07 (2007, Medellín, Colombia), Despistando al Enemigo (2008, Laboratorio Interdisciplinario para las Artes, Bogotá), y el 13 Salón Regional de Artistas Zona Centro (2009, Casa Museo Rojas Pinilla, Bogotá).

ACERCA DE LOS CURADORES

Constance Lewallen (New York, New York) vive y trabaja en San Francisco, California, donde es curadora adjunta de la Universidad de California Berkeley Art Museum y Pacific Film Archive. Como curadora principal en esa institución, desde 1998 hasta 2007, curó exposiciones nacionales e internacionales, incluida Joe Brainard (2001); Dream of the Audience: Theresa Hak Kyung Cha (2001); Everything Matters: Paul Kos, a Retrospective (2003); Ant Farm 1968–1978 (2004, co-curada con Steve Seid); y A Rose Has No Teeth: Bruce Nauman in the 1960s (2007). En 2009 organizó Allen Ruppersberg: You and Me or the Art of Give and Take en el Santa Monica Museum; y co-curó State of Mind: New California Art ca. 1970, con Karen Moss del Orange County Museum, que abrirá en 2011. Lewallen ha escrito varios ensayos y artículos, ha editado además el libro Exileé and Temps Morts: Selected Works by Theresa Hak Kyung Cha (2009).

José Roca (Barranquilla, Colombia, 1962) vive y trabaja en Bogotá, Colombia y en Filadelfia, donde actualmente es director artístico de Philagrafika 2010, un evento contemporáneo de impresos. Desde 1998 hasta 2008 manejó el programa de artes del Banco de la República en Bogotá, estableciéndolo como una de las instituciones culturales más respetadas del circuito Latinoamericano. Roca fue co-curador de la primera Trienal Poli/gráfica de San Juan, Puerto Rico (2004); la 27 Bienal de São Paulo en Brasil (2006); el Encuentro de Medellín MDE07 (2007); y Cart[ajena], una serie de intervenciones urbanas en Cartagena, Colombia (2007). Fue además jurado de la 52 Bienal de Venecia (2007).

PROJECT 35 en CEROINSPIRACIÓN / 3

2010-05-12T08:45:00.000-07:00

ceroinspiración presenta:

PROJECT 35
un programa de Independent Curators International
Parte 1 de 4

Programa semana: 13 a 19 de Mayo

5.Wanda Raimundi-Ortiz

Tópico 1: Arte contemporáneo, 2006

Video monocanal con color y sonido

8 min, 50 seg.

Cortesía del artista

Seleccionado por Franklin Sirmans

El video Tópico 1: Arte contemporáneo de Wanda Raimundi-Ortiz es el primero de una trilogía de videos que presentan al personaje Chuleta, una joven latina urbana, inteligente y descarada. Con la mirada puesta en corrosivos videos y la intención de explicarse a sí misma más allá de las aulas en la escuela de arte, Raimundi-Ortiz realizó estos videos a partir del deseo de crear un espacio distinto para la experimentación del arte contemporáneo, un espacio más amable hacia aquellos que no tenían experiencias previas con el arte contemporáneo. Mezclando el lenguaje vernáculo de las culturas populares y juveniles con un aire melodramático, Chuleta habla irreverentemente del “cubo blanco” y sus imposiciones sobre la forma de mirar el arte en varias locaciones de la ciudad de Nueva York. También se refiere al postmodernismo y a las políticas identitarias, en un esfuerzo por “tratar de crear puentes entre el mundo del arte y nuestro mundo, de gente como tú y yo”. Para concluir, explica su interés hacia estas lecciones como una forma de “crear puentes y construir comunidades”. Usando la muy accesible estética del D.I.Y., empleado en gran parte de las prácticas en video arte, el performance de Raimundi-Ortiz explora el mundo televisivo en un espacio entre el acceso público, la televisión por cable, y los programas confesionales tipo reality show.

— Franklin Sirmans

6.Tuấn Andrew Nguyễn y Phù Nam Thúc Hà

Uh . . . , 2007

Video monocanal con color y sonido

7 min

Cortesía del artista

Seleccionado por Zoe Butt

Radicados en la ciudad de Ho Chi Minh, Tuan Andrew Nguyen y Phu Nam Thuc Ha son dos de los artistas más exitosos de Vietnam. La mayoría de su arte remite a aspectos críticos que conciernen a la condición de la vida contemporánea mediada por varios canales culturales internacionales, cuestionando los métodos a través de los cuales las ideas sobre la cultura son producidas y diseminadas.

Uh… captura el cambiante paisaje urbano de Ho Chi Minh en Vietnam, al enfocarse en graffitis hechos por culturas juveniles emergentes que intentan navegar en el transcurrir de la vida urbana de ese lugar, creando nuevas estrategias para la expresión individual. Vemos peatones pasar junto a graffitis dibujados en varias paredes públicas y motociclistas que cruzan sin prestar atención. Lentamente nos damos cuenta que estamos mirando un paisaje imaginado, que existe dentro de la cabeza de los artistas. En Vietnam, la libertad de expresión artística es altamente controlada, con el uso del espacio público bajo el rigor de la mirada del gobierno. Este trabajo explora no sólo el giro cultural y físico del paisaje de Vietnam, sino que además cuestiona la realidad del cambio. ¿Son los procesos de cambio auténticos o son solamente visiones pasajeras de un futuro potencial?

— Zoe Butt

ACERCA DE LOS ARTISTAS

Wanda Raimundi-Ortiz (New York, 1973) vive y trabaja en New York. Se gradúa en 1998 del Fashion Institute of Technology, New York, con un título de A.A.S. (asociado de ciencias aplicadas), y en 2008 de la Universidad de Rutgers, New Jersey, con un M.F.A. Raimundi-Ortiz ha tenido exposiciones individuales en Longwood Gallery, Bronx, New York (2004), el Centro para Estudios Puerto Riqueños, Hunter College, New York (2006), y Museo de la Ciudad de Jersey (2009), New Jersey. Ha participado además en numerosas exposiciones colectivas, incluidas Ring y AIM 25 (2002 y 2005), Bronx Museum of Art, El Museo’s Bienal (2005), El Museo del Barrio, Bronx, New York; Wild Girls (2006), Exit Art, New York; Tropicalisms (2006), Museo de la Ciuda de Jersey, y Salad Days (2008), Artists Space, New York. Raimundi-Ortiz recibió el 2001 el premio Bronx Recognizes Its Own (BRIO) y el 2002 fue becaria de Skowhegan School of Painting and Sculpture, Skowhegan, Maine.

Phu Nam Thuc Ha (Ho Chi Minh, Vietnam, 1974) vive y trabaja en Ho Chi Minh. Estudio escultura en bronce para Budas y modelado en bronce en Chiang Mai, Tailandia en 1995, y pintura y restauración en la Ecole des Beaux-Arts Hanoi, graduándose en 1997. Thuc Ha ha dirigido la fotografía de varios documentales, programas de television, cortos, videos musicales, e instalaciones de vidoes. Su trabajo ha sido presentado en numerosas exposiciones colectivas, incluida la Trienal Contemporánea de Arte de Asia-Pacífico (2006, Queensland Art Gallery, Brisbane, Australia), The Farmers & Helicopters (2007, ZKM, Karlsruhe, Alemania), Father & Son, Rite of Passage (2007, Art Chicago), Bienal de Singapur (2008), All That Is Solid Melts into Air (2009, City Vision Festival, Bélgica), y Biennale Cuvee (2009, Linz, Austria). En 2006 fundó el grupo Propeller, una companía de desarrollo de contenido creativo y producción; es además fundador de San Art, un espacio no comercial manejado por artistas para exposiciones en Ho Chi Minh.

Tuấn Andrew Nguyễn (Ho Chi Minh, Vietnam, 1976) vive y trabaja en Ho Chi Minh. Se graduó en 1999 de la University of California, Irvine, con un B.A., y en 2004 del California Institute of the Arts en Los Angeles con un M.F.A. Tuấn ha terminado una largometraje y varios documentales, algunos de los cuales han sido incluidos en festivales, entre otros el Chicago Asian American Film Festival (2000 y 2002), ’Bangkok Democrazy: 4th Bangkok Experimental Film Festival' (2005), Singapore International Film Festival (2005), y Vietnamese International Film Festival (2009). Sus trabajos de video han sido incluidos en exposiciones colectivas, incluidas la Asia-Pacific Triennial of Contemporary Art (2006, Queensland Art Gallery, Brisbane, Australia), y Strategies from Within (2008, Ke Centre for Contemporary Arts, Shanghai, China). Actualmente es miembro del grupo Propeller.

ACERCA DE LOS CURADORES

Franklin Sirmans (Queens, New York, 1969) vive y trabaja en Los Angeles, en donde es curador en jefe de arte contemporáneo de Los Angeles County Museum of Art (LACMA). Desde 2006 hasta 2009, fue curador de arte moderno y contemporáneo de la Colección Menil en Houston, en donde organizó exposiciones que incluyeron NeoHooDoo: Art for a Forgotten Faith (que viajó a P.S.1 en New York y al Miami Art Museum); antes de eso fue co-curador de Basquiat (2005–06: Brooklyn Museum, Los Angeles Museum of Contemporary Art, y Museum of Fine Arts, Houston). Recientemente co-curó Steve Wolfe: On Paper (2009, Menil Collection y Whitney Museum of American Art). Sirmans recibió el 2007 el premio David C. Driskell entregado por el High Museum of Art, Atlanta; y en 2009 recibió uno de los primeros Premios Gold Rush entregados por el Rush Philanthropic Arts Foundation. Sirmans ha escrito ensayos para varios catálogos de exposiciones, artículos y reseñas en publicaciones como el New York Times, Time Out New York, Essence, y Grand Street.

Zoe Butt (Newcastle, Australia, 1976) vive y trabaja en Ho Chi Minh, Vietnam, en donde es la curadora y directora de programas y desarrollo de Sàn Art, un espacio de exposición independiente y cuarto de lectura manejados por artistas. Desde 2001 al 2007 fue curadora asistente de arte Asiático en el Queensland Art Gallery, Brisbane, Australia, en donde colaboró en el desarrollo de la Trienal de Arte Contemporáneo de Asia-Pacífico, y en la adquisición de obras para la colección de arte contemporáneo y otros programas asociados a la galería. Desde 2007 hasta 2009 fue directora de programas internacionales para el Long March Project, una compleja, plataforma múltiple de artistas internacionales y un proyecto en marcha basado en Beijing, China. Por más de diez años ha venido investigando arte Asiático, curando y co-curando exposiciones y contribuyendo a varias publicaciones internacionales de arte que han reflejado el dinamismo artístico de la región.

PROJECT 35 en CEROINSPIRACIÓN / 2

2010-05-05T15:07:00.000-07:00

ceroinspiración presenta:

PROJECT 35
un programa de Independent Curators International

Parte 1 de 4

Programa semana: 6 a 12 de Mayo

4.DAN HALTER

Sin título (Zimbabwean Queen of Rave), 2005

Video mono-canal con color y sonido, 3 min., 33 seg.

Cortesía del artista

Seleccionado por Kathryn Smith

Sin título (Zimbabwean Queen Of Rave), fue realizada por Halter apenas graduado de la escuela de artes. Esta obra marca el tono para una sucesión de obras inteligentes y descomplicadas que el artista ha venido haciendo desde entonces. Manteniéndose alerta frente a los muchas veces paradójicos estados post-colonialistas de esperanza y abyección. Su propia subjetividad es particularmente compleja, como un ciudadano de Zimbabwe, de origen Suizo, que vive en Sud-Africa como emigrante, y que ve el colapso económico y político de Zimbabwe desde el otro lado de la frontera. ¿Cómo puede insertar su experiencia y su estado de ser testigo, si está destinado a siempre ser extranjero y nunca un nativo? ¿Cómo volver estos hechos evidentes en su práctica? ¿Cómo evitarlos?.

Como toda buena propaganda, este video funciona tanto a nivel emocional como retórico. Rozalla Miller, aka la Reina Rave de Zimbabwe fue la primera cantante de ese país en tener un éxito pop a nivel mundial, “Everybody’s Free (to feel good)”, tres años antes que la democracia llegara a Sud Africa. (Hay además un aspecto autobiográfico: Don Halter fue al colegio con el hermano de Rozalla, John). El ritmo conducente y la seguridad de la cantante de que “juntos vamos a salir de esto” son positivos de una forma insistente, pero aparecen fuera de lugar junto a los visuales que lo acompañan; imágenes de jóvenes blancos, protagonistas de la cultura rave de los 90’s, que bailan en espacios abiertos se presentan intercaladas con imágenes de protestas masivas y levantamientos ciudadanos. La yuxtaposición crea inmediato malestar, se siente peligrosa. ¿Está bien jugar juegos de sampling con realidades culturales y políticas tan diferentes? ¿Estaban los jóvenes blancos de Sud Africa gozándola mientras Roma ardía, por así decirlo? Sus cuerpos respirando ruidosamente golpeaban el piso, ellos levantaban sus brazos con una resolución similar a la de los que protestaban. Desnudados de sus disparidades ideológicas, ambos escenarios demuestran el profundo deseo de los participantes por una realidad alternativa. Ambos se alinean con la psicología de las multitudes para movilizar sensibilidades individuales hacia una conciencia de masa. Un imperativo político se ve camuflado en lo que de otra forma sería una inocente canción pop que a lo mucho, en la instancia contemporánea, aparecería como una llamada a la acción de mayor alcance, que el incentivo provocado por el oscuro estado del mundo de la política.

— Kathryn Smith

4. YZHOU XIAOHU
Maquina utópica, 2002
Video mono-canal con color y sonido, 8 min.
Cortesía del artista
Seleccionado por Lu Jie

Zhou Xiaohu es mejor conocido por instalaciones escultóricas de modelado en arcilla, las mismas que se presentan en meticulosos videos dramáticos realizados por el artista. Producida en 2002, Máquina utópica usa la técnica de modelado en arcilla para deconstruir e interpretar la formula de transmisión de noticias utilizada en los canales de televisión pública en China. Estas transmisiones públicas se programan para inculcar y mantener una imagen utópica nacional. Las animaciones de Zhou reinterpretan escenas de importantes eventos nacionales e internacionales desde 1970 al presente (incluidas la visita en 1972 del presidente Nixon a China, el desarrollo del distrito Pudong en Shanghai en los años 90’s, y el ataque del World Trade Center en 2001) junto con eventos culturales reales y ficticios de la historia socialista de China.

— Lu Jie

ACERCA DE LOS ARTISTAS

Dan Halter (Harare, Zimbabwe, 1977) vive y trabaja en Cape Town, Sud Africa. Se graduó con un B. A. de Michaelis School of Fine Art, University of Cape Town en 2001. Halter ha tenido dos exposiciones individuales, en João Ferreira Gallery, Cape Town (2006) y Derbylius Gallery, Milan (2008). Su trabajo ha sido presentado en varias exposiciones colectivas, incluidas Second to None (2006, South African National Gallery, Cape Town), Next Wave Festival (2006, Melbourne, Australia), Zeitgenössiche Fotokunst aus Südafrika (2007, Neuer Berliner Kunstverein, Berlin), VideoBrasil (2007, São Paulo), y Bienal de la Habana (2009). El 2008 estuvo en la selección MTN New Contemporaries y realizó dos residencias internacionales, una en Zurich y otra en Río de Janeiro.

Zhou Xiaohu (Changzhou, Provincia de Jiangsu, China, 1960) vive y trabaja en Shanghai. Estudió escultura en Suzhou Art Institute 1980–83, y se graduó de la Sichuan Academy of Fine Arts en 1989 con un B.F.A. en pintura. Zhou ha tenido cuatro exposiciones individuales en Sichuan Academy of Fine Arts, Chongqing, China (1989), Moscow Central House of Artist, Rusia (2002), Ethan Cohen Fine Arts, New York (2005), y Walsh Gallery, Chicago (2007). Su trabajo también ha sido presentado en numerosas exposiciones colectivas, incluidas Shanghai Biennale (2000), New Zone-Chinese Art (2003, Zacheta National Gallery of Art, Varsovia, Polonia), China Now (2004, Museum of Modern Art, New York), Between Past and Future (2004, International Center of Photography, New York), Express (2005, Shanghai Duolun Museum of Modern Art, China), Shanghai Surprise (2005, Kulturreferentin der LHS Munich), and The Real Thing: Contemporary Art from China (2007, Tate Liverpool).

ACERCA DE LOS CURADORES

Kathryn Smith (Durban, South Africa, 1975) vive en Cape Town, Sud Africa. Ella es profesora y directora de prácticas de estudio y artes en el Departamento de Artes Visuales, University of Stellenbosch, este de Cape Town. Además de enseñar, ella tiene su propia práctica artística, ograniza exposiciones, y realiza trabajo de investigación. Los textos de Smith se han publicado en catálogos y revistas en Sud Africa e internacionalmente. Ella ha trabajado como corresponsal curatorial para la 2005 Turin Triennale y la 2008 Biennale of Sydney, participando en discusiones y eventos públicos para esas exhibiciones y contribuyendo con ensayos para esos catálogos. Sus intereses de investigación incluyen criminografía, medios basados en la cámara, estrategias artísticas psico-geográfico, y prácticas de avant-garde histórico en el arte Sud Africano. Recientemente estableció un espacio de proyectos en sue studio, para que ella y sus invitados presenten proyectos que se relacionan y se dirigen a conversaciones críticas de la práctica artística.

Lu Jie (b. 1964, Fujian, China) trabaja en Beijing, desde el 2002 ha sido curador en jefe de Long March Project, un complejo, multi-plataforma, organismo internacional de artes y proyecto de arte en proceso, concebido originalmente como una serie de exhibiciones, performances, simposio y discusión en el espacio público en China alo largo de la histórica ruta de la Marcha Larga de Mao Zedong. Graduado en 1988 with en la Academia China de Artes en Hangzhou, obtuvo su M.A. en curadoría en 1999 en Goldsmiths College, University of London. Lu es asesor permanente del Asia Art Archive en Hong Kong; y de la Editorial Board Yishu – Journal of Contemporary Chinese Art (Vancouver). Ha curado numerosos proyectos y exhibiciones de arte contemporáneo, entre los que se cuenta Long March projects, el cual se ha presentado en varios espacios internacionales: A Walking Visual Display (2002), The Great Survey of Paper-cutting in Yanchuan County (2004), Yan’an Project (2006), No Chinatown (2007), and Ho Chi Minh Trail (Duong Truong Son) (2008-ongoing). Lu has ha ofrecido lecturas y charlas en numerosas instituciones educativas y museos en Asia, Europa y Norte América.

PROJECT 35 en CEROINSPIRACIÓN / 1

2010-04-19T14:35:00.000-07:00

ceroinspiración presenta:

PROJECT 35

un programa de:

Independent Curators International

Parte 1 de 4

ARTISTAS

GUY BEN-ER

YUKIHIRO TAGUCHI

DAN HALTER

ZHOU XIAOHU

WANDA RAIMUNDI ORTIZ

TUÁN ANDREW NGUYÉN Y PHU NAM THÚC HA

KOTA EZAWA

EDWIN SÁNCHEZ

ROBERT CAUBLE

CURADORES

MAI ABU ELDAHAB

MAMI KATAOKA

KATHRYN SMITH

LU JIE

FRNAKLIN SIRMANS

ZOE BUTT

CONSTANCE LEWALLEN

JOSÉ ROCA

RAIMUNDAS MALASAUSKAS

INTRODUCCIÓN

Project 35 es un programa de videos monocanal seleccionados por 35 curadores internacionales, cada uno de los cuales escogió el trabajo de artistas que consideraban audiencias alrededor del mundo deberían experimentar hoy en día. El producto de dicha selección se presenta en cuatro partes y puede ser visto de forma simultánea en un número creciente de lugares.

Al desarrollar Project 35, ICI (Independent Curators International) reconsidera sus 35 años de historia y su interés en el video como un medio que no sólo brinda a los artistas la posibilidad de experimentar, sino que además puede ser diseminado amplia y fácilmente. El proyecto se apoya en una extensa red de curadores para trazar la complejidad de conexiones regionales y globales entre sus participantes, a la vez que busca demostrar hasta que punto el video es uno de los medios más importantes y de mayor alcance del arte contemporáneo. En esta primera presentación, por ejemplo, una curadora de Egipto radicada en Bruselas ha seleccionado la obra de un artista que vive en Israel. Al mismo tiempo, un curador colombiano que vive entre Filadelfia y Bogotá ha seleccionado el proyecto de un artista colombiano que ha tenido pocas oportunidades de presentar su trabajo fuera de su país.

El deseo colectivo por comunicarse, por intercambiar puntos de vista, se evidencia en Project 35 a partir de los temas escogidos por cada participante. Estos van desde reinterpretaciones de propuestas filosóficas hasta levantamientos y protestas en Sudáfrica, de la emisión vía noticias propagandísticas en China al surgimiento de culturas juveniles emergentes en la actual ciudad de Ho Chi Minh. Estos trabajos también revelan la diversidad de acercamientos que los artistas mantienen hacia el medio, usando varias técnicas de animación, a la par que toman prestado del lenguaje del cine, performance e incluso de YouTube, para producir trabajos que tejen conexiones entre el documental y la ficción.

El primer capítulo de Project 35 empieza con la obra Berkeley’s Island (1999), de Guy Ben-Ner, que hace referencia al famoso principio del filósofo George Berkeley “ser es ser percibido”. Es el deseo de los curadores y de ICI, que estos videos sean “percibidos” por la mayor cantidad de personas y que las obras de los artistas tengan el potencial de convertirse en catalizadoras de conversaciones e intercambios en el mundo.

ceroinspiración presentará dos videos por semana a partir del 29 de abril.
Los videos rotarán cada jueves.

¡Visítanos cada semana!

Programa semana: Abril 29 - Mayo 3

1. GUY BEN-ER

BERKELEY’S ISLAND

1999

Video mono canal con color y sonido

15 min.

Cortesía del artista

Seleccionado por : MAI ABU ELDAHAB

En la mayoría de la obra de Guy Ben-Ner la distinción entre autobiografía y ficción se difumina, cuando los ensayos de la vida doméstica son repetidos para la cámara. Sus videos son astutos y puntuales, tanto en la yuxtaposición de situaciones aparentemente moralistas como en el uso de elementos simples de la cinematografía–escenarios, soundtracks dramáticos, voz en off, actores amateurs y juegos mínimos de cámara–. En sus trabajos abundan las referencias a piezas tempranas del arte conceptual performático, particularmente aquellas de Dennis Oppenheim y sus contemporáneos, para quienes el uso de su cuerpo era un aspecto central en su trabajo.

Berkeley’s Island es una obra temprana de Ben-Ner. En ella trata como tema central el ego en el aislamiento (del artista), al recrear la historia de Robinson Crusoe en una “isla” de arena en miniatura en su cocina, mostrándose a sí mismo perdido en medio del ambiente familiar. El título del video alude a la aserción del filósofo George Berkeley “ser es ser percibido”. El protagonista realiza varias acciones tabú en la isla, como masturbarse o robar, ya que en su soledad estos actos no existen. El trabajo es una reflexión de la posición del artista en la sociedad y de la influencia del cine en la cultura visual, y tal vez una sátira política sobre la posición aislada de su país natal en el contexto del Medio Oriente.

Mai Abu ElDahab

2. YUKIHIRO TAGUCHI

Selections from Moment, 2007–08

Single-channel video excerpts:

"Moment-performative installation," 2007, color sin sonido, 2 mins., 25 secs.

"Moment-performative spazieren," 2008, color sin sonido, 4 mins., 30 secs.

"Moment-making," 2007, color sin sonido, 3 mins., 23 secs.

(TRT: 10 mins., 18 secs.)

Cortesía del artista

Seleccionado por : Mami Kataoka

Yukihiro Taguchi se refiere a su práctica como “instalación performativa”, en ésta el crea una instalación al redefinir un espacio que ya existe, a partir de cambios que se van incrementando vía intervenciones mínimas. Taguchi graba estos cambios consecutivamente usando imágenes cuadro a cuadro, alterando cualquier sentido convencional del tiempo.

En su serie Moment, duelas en el estudio del artista de pronto cobran vida y viajan a través de la ciudad de Berlín, representando muchas posibilidades flexibles y diversas, ausentes de su uso original. Lo que la audiencia no ve aquí, y les es dejado a su imaginación, es el doloroso trabajo físico del artista, de mover las duelas en cada secuencia. A la vez que emplea una idea sencilla y un método tradicional de producir imágenes en movimiento, esta serie de trabajos expande el potencial de los videos monocanal y de la vida cotidiana de forma ligera y divertida.
Mami Kataoka

LOS ARTISTAS

Guy Ben-Ner (Ramat Gan, Israel, 1969) vive y trabaja en Tel Aviv, Israel. Ben-Ner recibió su titulo de licenciatura de Hamidrasha Art Teachers School en Ramat Hasharon, Israel, en 1997 y su M.F.A. de Columbia University, New York, en 2003. Su exhibiciones individuales incluyen muestras en Postmasters Gallery, New York (2003, 2005, 2006 y 2007) y el Center of Contemporary Photography, Australia (2006). Su trabajo a sido también presentado en varias exposiciones colectivas, entre otras: Moby Dick (2003, Postmasters Gallery, New York), Video Lounge (2004, Vox Populi, Philadelphia), Venice Biennale (2005), Greater New York (2005, P.S.1, New York), Skulptur Projekte Münster (2007), Shanghai Biennale (2008) y Liverpool Biennial (2008). El 2007 recibió la residencia DAAD en Berlin y actualmente es un professor invitado en Bezalel Academy of Art and Design, Jerusalem.

Yukihiro Taguchi (Osaka, Japón, 1980) vive y trabaja en Berlin. Taguchi tiene una licenciatura en artes, con especialidad en pintura de la Universidad Nacional de Artes y Música de Tokyo (2004). Sus exposiciones individuales incluyen Het Plafond, Países Bajos (2006), Galerie Air Garten, Berlin (2007), e Hiroshima City Museum of Contemporary Art, Japón (2008). Taguchi ha participado en varias exposiciones colectivas, entre otras Sarajevo International Culture Exchange (2004), Pictura (2006, Dordrecht, Paises Bajos), Feld für Kunst (2006, Hamburgo), and shows at Gallery K:ITA, Berlin (2007), Galerie der Künste, Berlin (2008), and Temporary Art Centre, Eindhoven (2008). Ha recibido varios premios artísticos entre otros el premio de Hunt for This Century's Leonardo da Vinci! International Art Triennale (2007), Asia Digital Art Award, premio de excelencia (2008), y 12th Japan Media Arts Festival, premio de exelencia (2008).

LAS CURADORAS:

Mai Abu ElDahab (Cairo, Egipto) vive y trabaja en Antwerp, Belgica, en donde dirige el espacio artístico no commercial Objectif Exhibitions desde el otoño de 2007. En éste, ella ha organizado exhibiciones individuales de Guy Ben-Ner, Mariana Castillo Deball, Sancho Silva, Michael Smith, Chris Evans, Kirsten Pieroth, y Michael Stevenson, entre otros. Ella es profesora invitada en el Higher Institute of Fine Arts (HISK) en Ghent, miembro del equipo editorial de A Prior Magazine (Ghent), y participante del Reading Group de ICA (London). En 2006, fue curadora de exhibiciones y publicaciones de Philip en Project Arts Center (Dublin); co-editora de DOTDOTDOT 13; editora de CAC Interviu 7-8; co-editora con Sven Augustijnen de A Prior 14; profesora invitada en School of Visual Arts (Nueva York); y parte del equipo curatorial de Manifesta 6: European Biennale of Contemporary Art en Nicosia, la misma que fue cancelada antes de su inauguración prevista para Septiembre 2006. En 2009, co-curó A Fantasy for Allan Kaprow con Philippe Pirotte en el Contemporary Image Collective, Cairo, y actualmente trabaja con el Piet Zwart Institute en Rotterdam en su exhibición de graduación para el 2010.

Mami Kataoka (Nagoya, Japón, 1965) vive y trabaja en Tokyo y Londres. Actualmente es curadora del Mori Art Museum en Tokyo y curadora internacional asociada de la Hayward Gallery en Londres. Las exposiciones que ha realizado en el Mori incluyen Roppongi Crossing: New Visions in Contemporary Japanese Art 2004 (2004), Ozawa Tsuyoshi (2004), All about Laughter (2007), y Ai Weiwei: According to What? (2009). Para la Hayward ha curado Laughing in a Foreign Language (2008) y Ujino and the Rotators (2009), y co-curado Walking in My Mind (2009). Anteriormente Kataoka trabajó como curadora en jefe de Tokyo Opera City Art Gallery desde 1998 hasta 2002, en donde curó Releasing Senses (1999), Tatsuo Miyajima (2000), y Rirkrit Tiravanija (2002), entre otras muestras. El 2007 ella co-curó Beautiful New World: Contemporary Visual Culture from Japan en Beijing y Guangzhou; y el 2009 organizó Discovery: discovering contemporary at ShContemporary en Shanghai y Platform Seoul 2009.

PACO GRUEXXO VS. EL HOMBRE FOCA: LA ENTREVISTA

2010-03-01T14:06:00.000-08:00

PACO GRUEXXO vs. EL HOMBRE FOCA

Juan Luna-Avin

Julio César Morales

¡¡¡Estamos Vivos!!! es el grito de guerra de ceroinspiración para el 2010. El espacio inaugura el año con una exposición de dos artistas mexicanos radicados en California, Juan Luna-Avin y Julio César Morales.

La frase ¡Estamos Vivos! es tomada del músico metalero Pacco Gruexxo, figura central de las obras que Juan Luna-Avin presenta. Esta pieza de texto viene acompañada de dibujos de LPs de covers que no han sido lanzados al mercado, posters y una edición limitada de una compilación de audio con los éxitos del Gruexxo realizada por el artista, la misma que puede ser intercambiada por otra compilación de música, un zine, un poster de fabricación personal o una donación para la galería.

La obra de Juan Luna-Avin gravita alrededor de la historia de la música mexicana y sus influencias en América Latina. Prestando especial atención a sus circuitos y estrategias de difusión; a las culturas juveniles urbanas y sus procesos de identificación, y a las historias y genealogías reales y ficticias que se generan en la ciudad. Juan construye para el Gruexxo una historia visual alternativa a partir de un lenguaje con resonancias de DIY, espíritu de fan, piratería y bajo costo.

Julio César Morales ha venido explorando la figura del músico cubano Dámaso Pérez Prado, conocido en la escena musical como el Hombre Foca, por varios años. En esta muestra presenta dos videos Exotic Mix (2006) y El Son del Mambo Remix (2007). Sus obras combinan un sampling sonoro y breves juegos visuales a partir de las imágenes de las películas en las que el músico participó.

Julio deconstruye y actualiza el trabajo musical iniciado por Pérez Prado, reinvindicando el carácter de éste como pionero del cut and paste (corte y pegado), empleado hoy en día por los Djs. En trabajos anteriores Morales realizó las actualizaciones a los ritmos que Pérez Prado no alcanzó a intervenir debido a su muerte. Creando Low Rider y Metal Mambos a partir del ritmo original, siguiendo el principio de intervención utilizado por Pérez Prado.

PACCO GRUEXXO vs. EL HOMBRE FOCA es un mano a mano de géneros musicales, de las influencias de estos dos músicos en las tendencias musicales de latino américa, pero también es una mirada a los circuitos de distribución y consumo musical en territorio mexicano, a las culturas y mitologías que se construyen alrededor de personajes públicos, y a los recursos sonoros que se repiten y reinventan.

Imagen: Juan Luna-Avin y Julio César Morales fotografiados

por María del Carmen Carrión, Oakland Abril 2009

María del Carmen Carrión, curadora de la exposición, conversó con los artistas sobre sus puntos de partida para las obras en la muestra, el mercado musical y las alternativas a éste, sus procesos artísticos y sus prácticas como Djs.

María del Carmen Carrión: Arranquemos con lo evidente. ¿Cómo y cuando inició su interés por Paco Gruexxo y Pérez Prado respectivamente?

Juan Luna-Avin: Mi interés por Paco Gruexxo comienza casi al mismo tiempo que empecé a escuchar rock n' roll en México, allá por finales de los 80's. Un día lo vi en televisión en un programa de variedades de esos que se trasmitían a medio día. El salió vestido de manera muy rara. Tenía una apariencia como si fuera un 'metalhead' auténtico - muy al estilo de Mothorhead. Gritaba, "¡Estamos vivos!" una vez tras otra y luego se ponía a cantar. Me acuerdo que tocó "¡Rompiendo la ley!" que es en sí un cover de una canción de Judas Priest llamada "Breaking the Law".

Tiempo después, encontré un artículo de él en una revista llamada "Conecte" y el hablaba que venía tocando desde hace años. Eso me interesó de momento como anécdota pero hasta allí. Años después, como en 1996, en otra revista, lo encontré de nuevo y el cuate seguía hablando de que tocaba aquí y allá pero nadie lo pelaba - le hacía caso de manera seria.

Ya como a principios del 2001, lo vi en la tele de nuevo. Para entonces, ya era un super fan. Más que nada porque se había vuelto un símbolo de resistencia, una imagen multi-generacional de lo que significaba ser un rocker en México y porque nadie se explicaba como había sobrevivido tantos años insistiendo en lo mismo.

MDC: ¿Cual fue tu caso Julio en relación al “Rey del Mambo”?

Julio César Morales: Mi interés por Pérez Prado aparece cuando yo era estudiante del San Francisco Art Institute y Miguel Calderón, un amigo y también artista, me pidió que le haga una banda sonora para una película suya y me dio un disco de Pérez Prado del 1966, “Concierto para Bongo”. Lo escuché y quedé encantado. Me di cuenta entonces que esa era una faceta de Pérez Prado que no mucha gente conocía, el Pérez Prado experimental. En México estábamos sobre todo acostumbrado al Pérez Prado de la edad de oro del mambo, de los inicios de los 50's. Y bueno, me quede fascinado con su lado experimental y terminé buscando ese tipo de grabaciones.

Resulta que él hizo más de 150 discos – así que hubo mucho por descubrir. Ahora yo tengo en mi colección cerca de 100 de sus discos y sigo deslumbrado por su talento y por la forma como usó el mambo para crear nuevas formas de música “cut and paste” en los 50's y 60's.

MDC: ¿En que consistió este uso del “cut and paste”?

Julio: Pérez Prado descubrió el mambo en 1949 al fusionar la música swing americana con ritmos afro-cubanos, pero compuestos solamente a partir del sampling de sonidos urbanos de la Habana y de Ciudad de México. En su película “El son del mambo” de 1950 dice, “soy un coleccionista de sonidos como una forma de regresar a la naturaleza y de conectar con el futuro”.

Prado crea el mambo al añadir texturas que encontró en la calle, sonidos que después sampleaba y adaptaba a varios instrumentos de su orquesta. Así, por ejemplo, el sonido de un taxi será entonces re-sampleado a 2 segundos, a un momento específico del carro pasando a Pérez Prado, él encontrará el tono del carro y escribirá un sonido para trompeta.

Así que lo que hizo en verdad fue inventar lo que en música electrónica –ahora 60 años después-- conocemos como sequenciadores, donde un banco de sonidos es asignado a notas en un teclado.

Otra de sus innovaciones consistía en la forma como comandaba a su orquesta con su cuerpo y sus gritos, como: ¡Dilo!, ¡Caramelo!, y ¡Mírame! Estos comandos eran tan precisos que sus músicos podían pausar, re-play, loopear o incluso bajar un tono en una canción a partir de sus comandos en vivo y en el escenario. Así, que de cierta forma el hacía lo que los Djs hacen hoy en día, solo que él lo hizo en tiempo real hace 60 años, un verdadero pionero.

Juan: Volviendo al Paco y para terminar con él. Otra cosa que me encanta de la persona del Gruexxo, es que como pasó el tiempo y el se adoptó a las corrientes musicales del momento. Tengo fotos de él de Hippy, Punker, Metalero, Darky, etc.

MDC: En ese sentido tiene mucho que ver con Pérez Prado y la mutación musical que él vivió, que es uno de los aspectos que investiga Julio en su propuesta.

Julio: Pérez Prado siempre estuvo mirando hacia el futuro y adoptando “nuevos sonidos” para los jóvenes, en relación a nuevas tendencias en las culturas pop y underground, tales como el mamborock, mambo-psicodélico, mambo-funk y mambo-barroco. Tal como él lo dijo en su film de 1963 “El dengue del amor”, “yo NO estoy satisfecho vendiendo arenas y vendiendo discos, si no estoy haciendo sonidos para la nueva generación me siento vacío.”

Juan: ¡Sí! Paquito y el chamaco Pérez Prado tienen eso en común. Se adaptaron a su tiempo cada uno a su manera. Pérez Prado adoptó las corrientes musicales de entonces a su sonido, un buen ejemplo es el disco 'Dimension' que esta influenciado por la psycodelia. Paco lo hizo con su imagen ya que el era un show man, un front man más en la tradición de rock. Es curioso verlo en estos días, vestido más al estilo Darky (Gótico) y tocando covers de canciones de los 60's.

MDC: Juan, uno de los aspectos que toca tu obra tiene que ver con formas de circulación alternativa, circuitos que van desde la piratería, pasando por el intercambio y aterrizando en el DIY (hazlo tú mismo) y el bajo costo. ¿Cómo han influido estos modos de circular información inherentes a la escena local -mexicana- de la música, en la forma como produces tus obras?

Juan: Siento que mi obra se ha influenciado tremendamente de las maneras en las que las subculturas y la corriente DIY trabaja la distribución de su filosofía - zines, calcomanías, posters, CD copiados, etc.

MDC: En esas subculturas al igual que en la lectura que haces de la figura del Gruexxo existe ese espíritu de resistencia, de sobrevivencia, de ir contracorriente. Creo que hasta me arriesgaría a decir que el DIY en Latinoamérica tiene un tinte diferente, ya que en muchos casos no es una alternativa al mercado, sino lo que suple la ausencia del mismo. Pienso en tu trabajo anterior que se enfocaba en el mercado del Chopo, y en la instalación que al respecto montaste para Queen's Nails Annex en el 2005. Calcomanías, CDs copiados, posters, zines reproducían una estética pero también un modo de vida. ¿Quieres decir algo sobre eso?

Juan: Lo del DIY en Latinoamerica es muy cierto. No es una alternativa. "La alternativa" es a veces la única opción, lo vez en el Chopo, en los mercados, en las esquinas de calle. La única manera de tener música y cultura foránea y local si no tienes internet. Sobre el proyecto en QNA, al que te refieres, lo que hice fue hacer una especie de recuento. Por un lado, de lo que en sí significaba ser un DIY de la manera más exacta - tratar de recrear la experiencia lo más real posible - y por otro lado, enfocarme en el lado histórico que quería presentar en la pieza. Una pequeña antología de títulos perdidos o desconocidos de todos los artistas Latinoamericanos "de culto" con los que crecí.

MDC: Juan, en tus obras en esta muestra la figura central y evidente es Pacco Gruexxo, pero hay además otro personaje, uno que a momentos solo se vislumbra y que en otros instantes aparece de forma más concreta (como en los afiches), que es el del fan. Un personaje que en ciertos momentos eres tú, aunque no creo que sea tan simple, ya que veo en tu trabajo un afán por tratar de dilucidar la idea de la fanaticada, del seguidor, de como las culturas urbanas juveniles se construyen a partir de signos aglutinadores como puede ser un personaje público, una forma de vestir, un estilo musical. El fan aparece en los trabajos que aquí presentas como un seguidor que completa la figura del ídolo, que la despedaza y la recrea, al producir incluso las imágenes que le faltan al cuadro (pienso aquí en los dibujos de los LPs que no existen) pero sobre todo en una obra que estaba en proceso la última vez que visité tu estudio en Palo Alto. Me refiero a los collages de genealogías musicales que creabas para bandas (reales o ficticias) de la escena del DF. Un mapeo que remitía a la ciudad como una mega construcción, un gran rizoma que conectaba lo real con lo inventado. ¿Cómo lees tu esta idea de la cultura del fan y cómo la abordas en tu trabajo?

Juan: Los mismos artistas siempre son fans. Muchos son fans de sí mismos y es de esa personalidad es la que de muchas veces florece esta terquedad que me intriga. En otra instancia, los fans son los que mantienen a los artistas vigentes y por su insistencia estos luego se hacen legendarios. Estas dos formas de fanatismo son las que me llaman tremendamente la atención. No solo la idea de mantener un culto pero expandirlo y darle dimensiones trascendentes, casi míticas. Eso es algo que llevo varios años explorando en mi trabajo, sobre todo en los dibujos de las portadas ficticias de discos. En esa idea de expandir la iconografía del artista y hacer su presencia más significativa es donde el fan muestra su obsesión.

Como bien apuntas, ya en estos nuevos posters el fan se hace presente físicamente. Finalmente asoma la cara. Lo trate de presentar no al mismo nivel del Gruexxo pero junto a él. Quizá ambos lo están ya que los dos participan directamente en la conversación.

Contestando tu pregunta sobre las genealogías fantásticas, estas en sí no solo vienen del legado de la cultura fan sino también de mi interés por la reinvindicación a los sonidos creados en México en las últimas décadas. Por un lado, en México existe una tendencia a juzgar y a categorizar todo lo que se produce en el país rocanrolmente hablando de una manera tan radical y tan dura que nada se toma en serio. Muy contrario al periodismo anglosajón, donde hasta cierto punto, la crítica es más justa y nunca se ha cuestionado el por que se hace música rock. En México la gente ha producido música rock desde los años 50’s y sin embargo, “los expertos nacionales” siguen cuestionando si es rock o no. Si es de calidad o al menos escuchable. Por el otro, la poca documentación que existe y el desinterés han creado unas lagunas culturales que no te permiten comprender o tener un antecedente fijo de que es lo que ha pasado en México con la música rock y sus subculturas. Todo es pedacería y datos incompletos. Es por eso que cuando empecé a hacer mi investigación sobre los orígenes del punk en México me topé con muchos baches y caminos a ninguna parte. Cuando trabajé en mi primera genealogía donde trate de hacer un recuento de todos los grupos punk que han existido en México, por más que busqué, encontré una buena cantidad pero mucha información estaba inconclusa. Llegó un momento donde hice una lista paralela de bandas que de acuerdo a datos, solo existieron una vez o solo fue algo tan esporádico que nadie las puede confirmar. De esa iniciativa decidí hacer una genealogía de puras bandas ficticias. Al menos estas bandas yo las puedo confirmar. En sí parte de mi tesis en proceso -para el MFA de Stanford- será recrear una de estas listas pero con más detalles y a gran escala.

MDC: Paralela a su práctica artística está el trabajo que ambos desarrollan como Djs y como productores culturales. Me refiero en particular al caso del Club Unicornio, proyecto musical que inició Julio junto a Luis Illiades en el 2004, cuya premisa era la colaboración entre músicos, DJs y artistas visuales que exploraban sonidos e imágenes de referencia en muchos casos oscuras o kitsch del repertorio Latinoamericano. Club Unicornio ha ido creciendo, internacionalizándose, mutando y consolidándose. ¿Podrían hablar un poco sobre los orígenes del proyecto, que nicho fue a llenar en SF y hacia donde apunta?

Julio: Club Unicornio fue una forma de intervención urbana que inicié en el 2004 en el Barrio de la Misión en San Francisco. Cuando me mudé a San Francisco me llamó la atención la cantidad de bares latinos en la calle Valencia y como todos los sonidos de esos bares salían a la calle, y tú podías escuchar todo ese repertorio de música latina en la calle. Así que cuando la idea surgió, yo ví en esto una posibilidad de hacer una intervención, una forma de Poner de Vuelta la música de nuestro club en las calles, esto sucedía en el 2004 un momento en que la Misión vivía un proceso de regeneración urbana producido por el boom del Dot com de finales de los 90's e inicios del 2000. Proceso que desplazó familias y negocios latinos de éste, que por generaciones había sido el Barrio Latino de la ciudad.

El club lo inicié junto a Luis Illiades, el baterista de Pansy Division en el Casanova Lounge, y con la ayuda de la barista Margarita Lara. Luis es de Tijuana al igual que yo, así que iniciamos tocando música que ninguno de los habitues del bar había escuchado, como Pérez Prado, Toña La Negra, Los Dug Dugs y nuevos sonidos como techno cumbia, techo rock y a veces y sólo pasada la medianoche reaggeton.

De ahí el proyecto creció en interés e invitamos a Juan, Eamon Ore-Giron y Joe Franko para que sean parte del mismo. También creció en reputación y todos nosotros que no éramos djs – en el sentido más estricto del término – de repente estábamos tocando en Tokyo, Istanbul, New York, Singapore, Hawai y sobretodo en espacios de arte como el Whitney, SFMoma, Yerba Buena Center for the Arts y en bienales internacionales.

Después de 5 o 6 años, yo ya no podía manejarlo más ya que mi carrera artística y la de mis compañeros empezaron a volverse más ajetreadas. Sin embargo, puedes ver la influencia en otras ciudades como Nueva York con Fresa Salvaje y Los Angeles con Más Exitos. Así que el paso lógico fue crear un sello discográfico que re-lanzaría alguna de la música que tocábamos, pero también música nueva como la de DJ Lengua y de otros. El sello es hoy en día manejado por Joe Franco y Eamon Ore-Girón y yo hago la mayor parte de la imagen para ellos.

Juan: Al Club Unicornio yo llegué como proveedor de visuales. Hacía unos videos que llamamos de “Mexplotation” ya que eran bastante kitsch y populacheros. En términos de conexión con mi práctica artística, pues hasta la fecha sigo produciendo recopilaciones para exposiciones y eventos que tengan que ver con Club Unicornio. La idea de tratar de reproducir un concepto, en este caso, Paco Gruexxo, a travez de un CD con canciones que tienen que ver con él, es una de las maneras más entretenidas y directas para fomentar tus intenciones.

PACO GRUEXXO VS. EL HOMBRE FOCA en CEROINSPIRACIÓN

2010-01-14T13:38:00.001-08:00

¡La mejor manera de empezar el año!

CEROINSPIRACIÓN
presenta:

Juan Luna-Avin, Sin titulo (!Yo soy el Gruexxo!)
Grafito y gis blanco en papel, 2009. Cortesía del artista.

PACO GRUEXXO VS. EL HOMBRE FOCA
una exposición de los artistas:
Juan Luna-Avin y Julio César Morales
Curadora: María del Carmen Carrión
Diseño: Belén Mena
Montaje: Base 5 - Kenneth Ramos.

Julio César Morales, EXOTICMIX 06, Video proyección. Still cortesía del artista.

Inuaguración: 20 de enero 2010, 19h00.

PACO GRUEXXO vs. EL HOMBRE FOCA

La obra de Juan Luna-Avin gravita alrededor de la historia de la música mexicana y sus influencias en América Latina. Prestando especial atención a sus circuitos y estratégias de difusión; a las culturas juveniles urbanas y sus procesos de identificación, y a las historias y genealogías reales y ficticias que se generan en la ciudad. Juan construye para el Gruexxo una historia visual alternativa a partir de un lenguaje con resonancias de DIY, espíritu de fan, piratería y bajo costo.

Julio César Morales ha venido explorando la figura del músico cubano Dámaso Pérez Prado, conocido en la escena musical como el Hombre Foca, por varios años. En esta muestra presenta dos videos Exotic Mix (2006) y El Son del Mambo Remix. Sus obras combinan un sampling sonoro y breves juegos visuales a partir de las imágenes de las películas en las que el músico participó.

PACCO GRUEXXO vs. EL HOMBRE FOCA es un mano a mano de géneros musicales, de las influencias de estos dos músicos en las tendencias musicales de Latinoamerica, pero tambien es una mirada a los circuitos de distribución y consumo musical en territorio mexicano, a las culturas y mitologías que se construyen alrededor de personajes públicos, y a los recursos sonoros que se repiten y reinventan.

Biografías:

Juan Luna-Avin (Ciudad de México D.F., México, 1973) es un artista multidisciplinario cuyo trabajo examina identidades colectivas e individuales desde la perspectiva de las culturas juveniles y el rock. Sus proyectos actuales se enfocan en la investigación de la historia de la música latinoamericana, especialmente el punk mexicano.

Su trabajo se ha mostrado en lugares como Yerba Buena Center for the Arts, Queen’s Nails Projects y Galería de la Raza, San Francisco; El Museo del Barrio, Nueva York, y MOCA, Los Angeles.

Desde el 2004 ha sido miembro del Club Unicornio, un colectivo de artistas y DJs radicados en San Francisco, California, quienes tocan música latinoamericana de corte underground, kitsch y experimental. El Club Unicornio ha tocado en clubes y espacios artísticos tanto en el área de la Bahía como en otros escenarios en Estados Unidos y México, incluidos entre otros: UCLA Hammer Museum, en Los Angeles.

Paralela a su práctica artística Luna-Avin tiene una gran experiencia como educador en artes. Ha enseñado arte a estudiantes de pre-escolar y colegio. En el verano del 2008 fue elegido para trabajar con un grupo de estudiantes de origen Latino en Richmond, California, como parte de la iniciativa Neighborhood Public Art Project del Richmon Art Center. En el 2007, colaboró con Julio César Morales en un proyecto de arte público comisionado por la ciudad de San José.

Juan tiene un BFA en Pintura (2003) del San Francisco Art Institute, donde fue un becario Osher. Recibió, además, la beca McNamara Family Creative Arts Grant de la Hispanic Scholarship Fund. Al momento cursa su maestría en artes visuales en Stanford University, en Palo Alto. Vive y trabaja en Mountain View, California.

http://www.queensnailsannex.com/new/queremos.php
http://www.myspace.com/clubunicornio

Julio César Morales (Tijuana, México, 1966) utiliza fotografía, video, impresos y medios digitales como herramientas para sus proyectos conceptuales que investigan la fricción que ocurre en territorios trans-culturales tales como Tijuana y San Francisco, o en medios que son esencialmente impuros como la música popular y el diseño gráfico. Morales estudió en el departamento de Nuevos Géneros en el San Francisco Art Institute.

Exposiciones individuales recientes incluyen: Fototeca de Habana, Cuba; Peres Projects, Los Angeles; Museo Universitario de Ciencias y Arte Roma, Ciudad de México; UCLA Hammer Museum, Los Angeles, y The San Diego Museum of Contemporary Art. Además a participado en un sin número de exposiciones colectivas, entre otras: la Trienal de San Juan 2004 y 2008 en Puerto Rico; Harris Lieberman, Nueva York; Frankfurter Kunstverein, Frankfurt; la Bienal de Singapore 2006, Décima Bienal de Istanbul 2007, y Bienal de Lyon 2009.

Julio es fundador y co-curador de Queen’s Nails Annex, un espacio manejado por artistas para proyectos artísticos en San Francisco. Es tambien Profesor Adjunto del San Francisco Art Institute y Profesor Asociado en el programa de Prácticas Curatoriales de California College of the Arts. Actualmente es Curador Adjunto de Yerba Buena Center for The Arts en San Francisco. Morales ha recibido premios y becas de The Rockefeller Foundation, The Creative Work Fund, Artadia, The San Francisco Arts Commission’s Public Art Program, The California Arts Council, Friends of Contemporary Art, The Fleishhacker Foundation y AIT Arts Initiative Tokyo en colaboración con collaboration The Ishibashi Foundation y Printed Matter en Nueva York. Vive y trabaja en San Francisco.

http://www.queensnailsannex.com/

http://www.steveturnercontemporary.com/artists/morales/

fiesta de fin de año + subasta de arte contemporáneo

2009-12-17T22:25:00.000-08:00

CEROINSPIRACIÓN + TAKÚ
invitan a su fiesta de fin de año y subasta de obras
de reconocidos artistas ecuatorianos e internacionales.

la subasta contará con la presencia inigualable
de malva malabar y con obras de:
marcelo aguirre, miguel alvear, adrián balseca,
colter jacobsen, rosa jijón, fabiano kueva,
víctor muñoz, teresa ponce, eric reyes lamothe,
paco salazar, gonzalo vargas, entre otros.

dj sets: jorge espinosa, adrián balseca
fabiano kueva y santiago rosero aka zucko zelektor.

sábado 19 de diciembre a partir de las 19h00,
inicio subasta en vivo a las 21h00,
calle lugo n4-232 y guipuzcoa, la floresta, quito
entrada: $10,00 (incluye una bebida y bocaditos).

nota: para participar de la subasta se requiere
de una tarjeta de crédito de respaldo.

sergio de la torre + juan pablo toral en ceroinspiración

2009-09-16T08:25:00.000-07:00

Exposiciones Individuales:

Curadora invitada: María del Carmen Carrión

Inauguración: viernes 25 de septiembre, 7-10pm, entrada libre.

CIUDAD NUEVO DRAGÓN de Sergio de la Torre

Nuevo Dragon City, video still, 2008. Imagen cortesía del artista.

El video de Sergio de la Torre, Ciudad Nuevo Dragón, presenta a un grupo de adolescentes Chinos/Mexicanos quienes se barrican dentro de un edificio en el centro de Tijuana. Sus acciones son un dejavú de la historia de la ciudad. No solo por la repetida invisibilidad de los chinos en México, quienes desde Inicios de 1900's arribaron a la ciudad directamente de China o expulsados de Estados Unidos, sino porque la acción de este grupo de jóvenes es una recreación de un evento ocurrido en 1927 en el norte de México. En donde 6 chinos perecieron dentro de un edificio, sin que se sepa si se hallaban escondidos o atrapados, ni el por qué no fueron rescatados. Ciudad Nuevo Dragón brinda una nueva perspectiva a los flujos migratorios de la frontera México-Estados Unidos.

Nuevo Dragon City, video proyección en CEROINSPIRACIÓN.

Sergio De La Torre es un artista mexicano que reside en San Francisco, EEUU. Su práctica incluye fotografía, instalación de video y cine documental. Su obra ha sido exhibida en Museos y Galerías de Estados Unidos, América Latina y en Bienales de Arte y Festivales de Cine en Estados Unidos, Canadá, América Latina, Europa, Asia y Africa. Su proyecto Maquilapolis, película documental que narra la vida de 2 trabajadoras de la maquila en Tijuana tuvo su premier mundial en Rotterdam en donde fue muy bien recibido. El documental ha recibido invitaciones de otros festivales entre ellos el Festival de Cine Tribeca en Nueva York, Hot Docs en Toronto Canadá y el Festival de Cine de Morelia.

En Agosto del 2005 De La Torre fundó el espacio de residencias Lui Velásquez localizado en la Colonia Federal en la ciudad de Tijuana. Lui Velásquez es un espacio que intenta integrar perspectivas críticas en prácticas y eventos interdisciplinarios contemporáneos, invitando a artistas, productores y a otros a que participen en residencias a corto plazo. www.maquilapolis.com

HUELLAS de Juan Pablo Toral

0° 12'34. 35" latitud sur y 78° 29'00. 79" longitud oeste

Intervención en la fachada de CEROINSPIRACIÓN.

0 grados 12'34. 35" latitud sur y 78 grados 29'00. 79" longitud oeste las coordenadas que forman el título de la obra corresponden a las del punto preciso de la casa de ceroinspiración en donde se desarrolla la muestra. Se trata de inventar recorridos que atraviesan simultáneamente al menos tres dimensiones: la problemática de los mapas urbanos y la representación del espacio (desde un punto de vista geográfico, en este caso a través de coordenadas de gps); los recorridos de cada uno de los zapatos con los que se escribe las coordenadas en las paredes de la galería, la mayoría de ellos recogidos de los cables de luz de barrios populares de Guayaquil; y, finalmente, el hecho de que este gesto de escribir coordenadas de un espacio ha sido ya realizado en galerías en Ibagué y Bogotá, haciendo referencia a las condiciones complejas de los flujos migratorios entre los dos países, Ecuador y Colombia.

REGISTRO (serie Huellas) instalación en CEROINSPIRACIÓN.

Juan Pablo Toral es un joven artista ecuatoriano. Sus investigaciones visuales trabajan sobre la ciudad a partir de metonimias de la modernidad inacabada representadas a través de pintura hiperrealista o a través de intervenciones en el espacio público que cuestionan las implicaciones sociales de las políticas de regeneración urbana en Guayaquil. 4° 26' 42'' N 75° 14' 29'' 4°39.50'02'' N 74°02.51'50''son dos de una serie de muestras sobre coordenadas de lo habitable que se realizaron ya en Ibagué y en Bogotá, Colombia, en la Galería Casa Cuadrada (Bogotá-Zürich) que lo representa. www.juanpablotoral.com

Eventos Paralelos:
Presentación del documental Maquilapolis de Sergio de la Torre y Vicky Funari + panel de discusión con presencia on-line del director.

Jueves 24 de Septiembre, 7pm

Sala de INCINE, Lugo N24-298 y Vizcaya, Entrada libre.

Exposiciones abiertas hasta:

Sábado, 24 de octubre, 2009

Horarios de atención:

Miércoles a Sábados

10h00-18h00

Contacto de prensa:

Cecilia Ponce / Cel: 080373574

cponce_deleg@hotmail.com

ceroinspiración

2009-09-07T09:31:00.000-07:00

misión:

ceroinspiración es un espacio de exhibición y producción de proyectos artísticos y residencias cortas para investigación y creación. su programación es fruto de una curaduría colegiada de un grupo de curadores, artistas y académicos.

ceroinspiración es un espacio sin fines de lucro y no aspira a desarrollarse hacia el comercio del arte.

además de muestras en sus espacios de exhibición, ceroinspiración organiza talleres y charlas que permitan trabajar en la reflexión y en la escritura de un discurso sobre las visualidades y las sonoridades artísticas.

objetivos:

* exhibir obras de arte contemporáneo.

* fomentar prácticas artísticas e investigativas que por su naturaleza crítica o poco convencional no encuentran espacios idóneos.

* generar un espacio de diálogo, reflexión y producción discursiva que fortalezca el medio del arte contemporáneo.

residencia:

ceroinspiración tiene también una residencia de artistas (que cuenta con una habitación, un área de escritorio, baño, wi-fi y un jardín para disfrutar del sol de quito). se encuentra en el barrio la floresta, en una casa de adobe característica de los años cuarenta.

equipo

colegio curatorial:

ma. del carmen carrión / ana rodríguez
maría rosa jijón / fabiano kueva

colaborador@s:

analú garcés / cecilia ponce
mauro cerbino

logística: sergiom mediavilla

diseño: belén mena

museografía: base 5 - kenneth ramos

alianzas locales:

incine (instituto superior de cine y actuación)

cedic (centro de difusión cultural)
centro experimental oído salvaje

alianzas regionales:

terra una (brasil)
residencias_en_red_iberoamérica

ata-escuelab (perú)
casa tres patios (colombia)

espacios:

ceroinspiración cuenta con tres espacios interiores:

espacio uno - planta baja

espacio dos - planta alta

espacio tres - planta alta

programación:

la programación de ceroinspiración comprende seis muestras al año que permanecen en exhibición de cuatro a ocho semanas. se ha previsto que al menos tres artistas internacionales sean invitados a presentar sus proyectos o desarrollar talleres o cursos en ceroinspiración.

en los momentos insterticiales, entre desmontaje y montaje de las muestras, se realizarán intervenciones sonoras programadas por el centro experimental oído salvaje.